Un año más, y ya son cinco, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2009 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, aunque esta vez únicamente sumamos una más, la correpondiente a mejor disco autoeditado, que sometemos a votación por primera vez, pues el año anterior el ganador fue designado por la redacción de Acid Jazz Hispano. Por último, por segunda vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido determinadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los V Premios Acid Jazz Hispano acaba el 2 de Marzo del 2010, éste incluido, de modo que ya podéis echar un vistazo a los nominados y votar por vuestros favoritos aquí. Recuerda que para votar necesitas estar registrado, cosa que puedes hacer en dos minutos aquí. Ver nominaciones.lunes, febrero 08, 2010
V Premios Acid Jazz Hispano 2009: ¡Las nominaciones!
Un año más, y ya son cinco, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2009 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, aunque esta vez únicamente sumamos una más, la correpondiente a mejor disco autoeditado, que sometemos a votación por primera vez, pues el año anterior el ganador fue designado por la redacción de Acid Jazz Hispano. Por último, por segunda vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido determinadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los V Premios Acid Jazz Hispano acaba el 2 de Marzo del 2010, éste incluido, de modo que ya podéis echar un vistazo a los nominados y votar por vuestros favoritos aquí. Recuerda que para votar necesitas estar registrado, cosa que puedes hacer en dos minutos aquí. Ver nominaciones.
Crítica de Elkano Browning Cream 2, de Elkano Browning Cream
Elkano Browning Cream.
ELKANO BROWNING CREAM 2.
Mamusik.
Edición: 22 Febrero 2010.
Estilo: Soul Jazz; Blues; Jazz Latino; Afro-Jazz.
Interesará a…: los que quieran llevarse a casa memorables melodías.
Elkano Browning Cream es el trío que en el 2006 debutó con el excelente álbum homónimo, uno de los que los amantes de la música negra no debían perderse de los editados ese año. Desde entonces, el conjunto estuvo ofreciendo conciertos regularmente, y yo tuve la oportunidad de escuchar uno de ellos, en el 41 Heineken Jazzaldia 2006. Fue una de las actuaciones que recuerdo especialmente bien de aquella edición, y eso que aquel año el festival dedicó un monográfico a mi músico preferido, Matthew Herbert. Ese mismo día empezó mi relación de amor con Elkano Browning Cream. Quiere eso decir que llego a Elkano Browning Cream 2 doblemente convencido de antemano, tanto por lo interesante que me pareció su debut como por lo mucho que disfruté con su directo. No obstante, trataré de parecer objetivo, compensando el ‘efecto fan’ con las altas expectativas depositadas en este segundo trabajo (= riesgo de decepción). Claro que lo segundo me temo que servirá de poco, pues como ya anticipa el título, esta es una continuación de Elkano Browning Cream (Mamusik, 2006), esto es, otro estimulante larga duración.
El entramado sonoro de Elkano Browning Cream gira en torno al trío jazzístico de Hammond, de nuevo con el Blue Note de los 60 en el punto de mira, con el aroma clásico que eso implica. No obstante, también en Elkano Browning Cream 2 opta por una innovadora e imaginativa reinterpretación del formato trío, en la línea de probables influencias como Soulive o Medeski, Martin & Wood, pero más conceptual que estilísticamente, pues es evidente que las tres formaciones tienen una marcada personalidad. Por lo pronto, aunque se escucha una mínima cuota de soul jazz, el conjunto vuelve a ser ecléctico y, sobre todo, a mostrar una valiente huida de lugares comunes o cualquier camino que pueda resultar obvio. Para ilustrar esto, es recomendable fijarse en el tema inicial, Sugaar. Además de sorprender por incluir samples vocales del cantautor Mikel Laboa y de Isabel Loroño, ofrece una tan brillante como delirante deconstrucción del pasodoble en clave jazzística: ¿no despierta vuestra curiosidad algo así? Aunque para híbridos imposibles, el gran acierto es Yodi, que responde afirmativamente a la pregunta de si se puede fusionar country, folk y música tradicional africana en un mismo corte. Y encima con invitados de lujo, pues participan como coristas dos terceras partes del grupo australiano The Waifs, conjunto que sí escuchamos al completo, de nuevo a los coros, en I Got My Mojo Working, una estupenda versión del clásico de Preston Foster. Para terminar, y aunque cada una de las piezas aquí incluidas merecen un comentario detallado, me traicionaría a mí mismo si no mencionara la que sé que me va a estar rondando durante una larga temporada: Osito Blues. Tan pegadiza como divertida, comprendo que el Elkano Browning Cream la retomase, en clave bossa, como conclusión.
Poco importa si es o no verdad, pero da la sensación de que el trío se lo pasó muy bien grabando Elkano Browning Cream 2, y lo mejor es que esa diversión la transmite fácilmente al oyente. Otro recomendable álbum de Elkano Browning Cream.
Créditos:
Mikel Azpiroz: Hammond C3, sintetizador, Rhodes, Wurlitzer, ingeniero, mezcla, producción.
Franck Mantegari: batería, percusión, arreglos de percusión.
Matt Harding: guitarra, voz.
Donna Simpson: coros en temas 3, 4 y 7.
Vikki Thorn: coros en temas 3, 4 y 7.
Josh Cunningham: coros en tema 7.
Ben Franz: coros en tema 7.
Michael Fossenkemper: masterización.
David Navascués: diseño.
Este es el tracklist del CD:
Sugaar. 4:40
World State. 5:08
Yodi. 3:31
Osito Blues. 6:03
Far East Sweet. 3:44
Herb Tree. 3:35
I Got My Mojo Working. 3:33
Morgan. 2:44
Euphoria. 4:31
Osito Bossa. 4:06
Duración total: 41:35
9/10
Enlace Permanente.
Discográfica.
Web del grupo.
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
ELKANO BROWNING CREAM 2.
Mamusik.
Edición: 22 Febrero 2010.
Estilo: Soul Jazz; Blues; Jazz Latino; Afro-Jazz.
Interesará a…: los que quieran llevarse a casa memorables melodías.
Elkano Browning Cream es el trío que en el 2006 debutó con el excelente álbum homónimo, uno de los que los amantes de la música negra no debían perderse de los editados ese año. Desde entonces, el conjunto estuvo ofreciendo conciertos regularmente, y yo tuve la oportunidad de escuchar uno de ellos, en el 41 Heineken Jazzaldia 2006. Fue una de las actuaciones que recuerdo especialmente bien de aquella edición, y eso que aquel año el festival dedicó un monográfico a mi músico preferido, Matthew Herbert. Ese mismo día empezó mi relación de amor con Elkano Browning Cream. Quiere eso decir que llego a Elkano Browning Cream 2 doblemente convencido de antemano, tanto por lo interesante que me pareció su debut como por lo mucho que disfruté con su directo. No obstante, trataré de parecer objetivo, compensando el ‘efecto fan’ con las altas expectativas depositadas en este segundo trabajo (= riesgo de decepción). Claro que lo segundo me temo que servirá de poco, pues como ya anticipa el título, esta es una continuación de Elkano Browning Cream (Mamusik, 2006), esto es, otro estimulante larga duración.
El entramado sonoro de Elkano Browning Cream gira en torno al trío jazzístico de Hammond, de nuevo con el Blue Note de los 60 en el punto de mira, con el aroma clásico que eso implica. No obstante, también en Elkano Browning Cream 2 opta por una innovadora e imaginativa reinterpretación del formato trío, en la línea de probables influencias como Soulive o Medeski, Martin & Wood, pero más conceptual que estilísticamente, pues es evidente que las tres formaciones tienen una marcada personalidad. Por lo pronto, aunque se escucha una mínima cuota de soul jazz, el conjunto vuelve a ser ecléctico y, sobre todo, a mostrar una valiente huida de lugares comunes o cualquier camino que pueda resultar obvio. Para ilustrar esto, es recomendable fijarse en el tema inicial, Sugaar. Además de sorprender por incluir samples vocales del cantautor Mikel Laboa y de Isabel Loroño, ofrece una tan brillante como delirante deconstrucción del pasodoble en clave jazzística: ¿no despierta vuestra curiosidad algo así? Aunque para híbridos imposibles, el gran acierto es Yodi, que responde afirmativamente a la pregunta de si se puede fusionar country, folk y música tradicional africana en un mismo corte. Y encima con invitados de lujo, pues participan como coristas dos terceras partes del grupo australiano The Waifs, conjunto que sí escuchamos al completo, de nuevo a los coros, en I Got My Mojo Working, una estupenda versión del clásico de Preston Foster. Para terminar, y aunque cada una de las piezas aquí incluidas merecen un comentario detallado, me traicionaría a mí mismo si no mencionara la que sé que me va a estar rondando durante una larga temporada: Osito Blues. Tan pegadiza como divertida, comprendo que el Elkano Browning Cream la retomase, en clave bossa, como conclusión.
Poco importa si es o no verdad, pero da la sensación de que el trío se lo pasó muy bien grabando Elkano Browning Cream 2, y lo mejor es que esa diversión la transmite fácilmente al oyente. Otro recomendable álbum de Elkano Browning Cream.
Créditos:
Mikel Azpiroz: Hammond C3, sintetizador, Rhodes, Wurlitzer, ingeniero, mezcla, producción.
Franck Mantegari: batería, percusión, arreglos de percusión.
Matt Harding: guitarra, voz.
Donna Simpson: coros en temas 3, 4 y 7.
Vikki Thorn: coros en temas 3, 4 y 7.
Josh Cunningham: coros en tema 7.
Ben Franz: coros en tema 7.
Michael Fossenkemper: masterización.
David Navascués: diseño.
Este es el tracklist del CD:
Sugaar. 4:40
World State. 5:08
Yodi. 3:31
Osito Blues. 6:03
Far East Sweet. 3:44
Herb Tree. 3:35
I Got My Mojo Working. 3:33
Morgan. 2:44
Euphoria. 4:31
Osito Bossa. 4:06
Duración total: 41:35
9/10
Enlace Permanente.
Discográfica.
Web del grupo.
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
miércoles, enero 13, 2010
Crítica de The Routine Funk, de DJ Kobayashi
DJ Kobayashi.
THE ROUTINE FUNK.
Routine Funk Label. (RCFP-001)
Edición: 2008.
Estilo: Funk; Jazz-Funk; Afro-Funk.
Interesará a…: lo que aprecien la vertiente más elegante del funk clásico (por oposición a la faceta cruda y sucia del revival deep-funk)
DJ Kobayashi muy posiblemente sea conocido internacionalmente, sobre todo, por sus compilaciones de jazz, por sus inspiradas selecciones creadas a partir de los catálogos de prestigiosos sellos de jazz (Blue Note, Ricky-Tick Records, Schema Records…). Sin embargo, esa es sólo una de sus facetas, pues otro de sus grandes intereses es el funk. De hecho, su sello, Routine Records, está dividido en dos filiales, Routine Jazz y Routine Funk. Como habréis adivinado, sagaces lectores de Acid Jazz Hispano, este álbum, The Routine Funk, pertenece a la segunda de las filiales, y se trata de un monográfico de funk, de un canto de amor por el estilo que popularizó James Brown. Es un álbum de estudio, sí, pero suena como si fuera una compilación de funk clásico, muy posiblemente porque esa sea su intención. Si alguien escucha esta edición a ciegas y le aseguran que se trata de un recopilatorio de funk de los 70 extraído de viejos vinilos de sellos ya olvidados, posiblemente no lo ponga en duda. Los que suenan en The Routine Funk son temas originales, pero con un indudable sabor clásico, que remiten invariablemente a la era dorada del género.
Es curioso porque esa concepción del funk no casa muy bien con el ambicioso subtítulo: “A New Era In Funk Has Began! Jazz/ Funk/ HipHop/ Breakbeats… Fresh For Old”. Sí, puede interpretarse de diversas maneras, y una de las posibles es que DJ Kobayashi aboga por una vuelta a la esencia del funk, el que emplearon frecuentemente como samples y fuente de breaks los primeros productores de hip hop, pues lo evidente es que en The Routine Funk no encontrará el oyente una visión innovadora del funk. Eso sí, como ejercicio de recuperación del aroma clásico, el disco está brillantemente logrado, y además propone el tipo de funk que más posibilidades tiene de atraer a los que habitualmente no se interesan por el estilo. Por otra parte, está enteramente centrado en su carácter bailable: aquí los pinchadiscos tienen muchos temas para elegir. Por lo visto, DJ Kobayashi contó con la ayuda de Muro y de DJ Jin, y es evidente que el primero aportó su infinita sabiduría en la materia. Eso sí, no puedo descifrar de qué manera colaboró cada uno de ellos, pues el japonés no se cuenta entre mis conocimientos y ese es el único idioma en el que están las notas del disco. Como conjunto, The Routine Funk es sólido, pero DJ Kobayashi y cómplices estuvieron especialmente inspirados en el afro-funk inicial, It’s Just Began In Africa (Afro Break Mix), en el deliciosamente jazzístico Jazz Modric, y en esa bomba funky-brasileira acertadamente titulada Re-Funk Samba. Finalmente, otro de los aciertos es Perfect Day, una soleada pieza de alegre funk que hace honor al título, y en la que escuchamos el rap de B-BandJ. Para quien no tenga el gusto de conocerle, bastará con recordar que el MC fue colaborador de Kyoto Jazz Massive, Mondo Grosso y Monday Michiru cuando estas propuestas estaban abriéndose camino fuera de Japón, y que llegó a ser telonero de Public Enemy, Earth, Wind & Fire y los Fugees.
Este es el tracklist del CD:
Opening.
It’s Just Began In Africa (Afro Break Mix).
Stone Felton.
Funk Bronckhorst.
Jazz Modric.
Funk O’nilovic (Old School Mix).
Hamit Altinfunk.
People Get Ribery.
Re-Funk Samba.
Perfect Day feat. B-BandJ.
Endtitle.
Routine Mama Funk.
8/10
Enlace Permanente.
Discográfica.
Comprar.
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
THE ROUTINE FUNK.
Routine Funk Label. (RCFP-001)
Edición: 2008.
Estilo: Funk; Jazz-Funk; Afro-Funk.
Interesará a…: lo que aprecien la vertiente más elegante del funk clásico (por oposición a la faceta cruda y sucia del revival deep-funk)
DJ Kobayashi muy posiblemente sea conocido internacionalmente, sobre todo, por sus compilaciones de jazz, por sus inspiradas selecciones creadas a partir de los catálogos de prestigiosos sellos de jazz (Blue Note, Ricky-Tick Records, Schema Records…). Sin embargo, esa es sólo una de sus facetas, pues otro de sus grandes intereses es el funk. De hecho, su sello, Routine Records, está dividido en dos filiales, Routine Jazz y Routine Funk. Como habréis adivinado, sagaces lectores de Acid Jazz Hispano, este álbum, The Routine Funk, pertenece a la segunda de las filiales, y se trata de un monográfico de funk, de un canto de amor por el estilo que popularizó James Brown. Es un álbum de estudio, sí, pero suena como si fuera una compilación de funk clásico, muy posiblemente porque esa sea su intención. Si alguien escucha esta edición a ciegas y le aseguran que se trata de un recopilatorio de funk de los 70 extraído de viejos vinilos de sellos ya olvidados, posiblemente no lo ponga en duda. Los que suenan en The Routine Funk son temas originales, pero con un indudable sabor clásico, que remiten invariablemente a la era dorada del género.
Es curioso porque esa concepción del funk no casa muy bien con el ambicioso subtítulo: “A New Era In Funk Has Began! Jazz/ Funk/ HipHop/ Breakbeats… Fresh For Old”. Sí, puede interpretarse de diversas maneras, y una de las posibles es que DJ Kobayashi aboga por una vuelta a la esencia del funk, el que emplearon frecuentemente como samples y fuente de breaks los primeros productores de hip hop, pues lo evidente es que en The Routine Funk no encontrará el oyente una visión innovadora del funk. Eso sí, como ejercicio de recuperación del aroma clásico, el disco está brillantemente logrado, y además propone el tipo de funk que más posibilidades tiene de atraer a los que habitualmente no se interesan por el estilo. Por otra parte, está enteramente centrado en su carácter bailable: aquí los pinchadiscos tienen muchos temas para elegir. Por lo visto, DJ Kobayashi contó con la ayuda de Muro y de DJ Jin, y es evidente que el primero aportó su infinita sabiduría en la materia. Eso sí, no puedo descifrar de qué manera colaboró cada uno de ellos, pues el japonés no se cuenta entre mis conocimientos y ese es el único idioma en el que están las notas del disco. Como conjunto, The Routine Funk es sólido, pero DJ Kobayashi y cómplices estuvieron especialmente inspirados en el afro-funk inicial, It’s Just Began In Africa (Afro Break Mix), en el deliciosamente jazzístico Jazz Modric, y en esa bomba funky-brasileira acertadamente titulada Re-Funk Samba. Finalmente, otro de los aciertos es Perfect Day, una soleada pieza de alegre funk que hace honor al título, y en la que escuchamos el rap de B-BandJ. Para quien no tenga el gusto de conocerle, bastará con recordar que el MC fue colaborador de Kyoto Jazz Massive, Mondo Grosso y Monday Michiru cuando estas propuestas estaban abriéndose camino fuera de Japón, y que llegó a ser telonero de Public Enemy, Earth, Wind & Fire y los Fugees.
Este es el tracklist del CD:
Opening.
It’s Just Began In Africa (Afro Break Mix).
Stone Felton.
Funk Bronckhorst.
Jazz Modric.
Funk O’nilovic (Old School Mix).
Hamit Altinfunk.
People Get Ribery.
Re-Funk Samba.
Perfect Day feat. B-BandJ.
Endtitle.
Routine Mama Funk.
8/10
Enlace Permanente.
Discográfica.
Comprar.
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
lunes, diciembre 07, 2009
Crítica de Abundance, de PPP
PPP.
ABUNDANCE.
Ubiquity Records. (URCD 239)
Edición: 20 Enero 2009.
Estilo: Urban; Neo-Soul; R&B Contemporáneo.
Gustará a…: los que quieran una dosis de vitaminas en cápsulas de buena música.
Platinum Pied Pipers, PPP en adelante, entregó su segundo álbum de estudio casi cuatro años después de su debut, y está claro que, durante ese tiempo, los intereses musicales de Waajeed y Saadiq cambiaron notablemente, porque Abundance tiene muy poco que ver con Triple P. La mano de los dos productores se sigue notando, y también para bien, pero todo lo demás ha cambiado radicalmente, incluso su propio acercamiento a la producción. La evolución más evidente es el paso de un tono predominantemente relajante, guiado por los beats de hip hop y los ambientes soul, a uno casi invariablemente uptempo, definitivamente energético, frenético y bailable. Esto, lógicamente, modifica todo, arrastra todos los demás elementos y transforma la producción de PPP. En cuando a nosotros, sorprendidos oyentes, ya no estamos ante una obra que, como Triple P, servía como perfecto acompañamiento de aquello que estuviésemos haciendo. En Abundance lo que estaremos haciendo desde el momento en que empiece a sonar el primer tema es escuchar el álbum atentamente, bueno, atentamente y con una amplia sonrisa. Este es un disco que se disfruta de principio a fin, sin altibajo alguno, con la misma delectación durante la hora de duración, y, por supuesto, sin que aparezca el fantasma del aburrimiento.
Para Abundance, disco que cumple lo prometido en su título, PPP renovó por completo a su equipo de colaboradores, empezando por los vocalistas, pues esta vez los que ponen voz a sus piezas son Aaron “Coultrain” Frison, gran descubrimiento, Jamila Raegan y Karma Stewart, además de la puntual colaboración de Neco Redd. Todos convencen en sus apariciones, aunque perdonadme que vuelva a insistir con Coultrain, del que comprendo que entusiasmara de tal manera al dúo PPP cuando recibió una demo suya. Los cambios también afectan a la instrumentación, mucho más abundante que en Triple P (veis, otro motivo para un título así), de tal modo que los temas resultantes dependen mucho menos de los beats y sí de la escritura tradicional, es decir, de las melodías y unos magníficos arreglos cuidados al detalle, como en los tiempos de Motown, por ejemplo. Pero quizá lo más asombroso sea que, en un contexto de R&B contemporáneo, el dúo proponga múltiples ramificaciones, metamorfosis y matices de su sonido, esto es, que Abundance sea tan variado como uniforme, que se aprecie una misma concepción de la música expresada a través de múltiples perspectivas.
Altamente recomendable.
Créditos:
Darnell “Saadiq” Bolden: bajo, teclados, producción, voz.
Robert “Waajeed” O’Bryant: producción, mezcla, voz.
Aaron “Coultrain” Frison: voz, letras, coros.
Jamila Raegan: voz, letras, coros.
Karma Stewart: voz y coros.
Shaphan “Maestro” Williams: teclados, coros.
Heun Choi: violonchelo.
Funk Chern Hwei: violín.
Sydney “Cyber” Driver: batería.
Simon Katz: guitarra.
Bobby Taylor: coros.
Mike Young: coros.
Blaire “MonicaBlaire” White: coros.
Ron Trent: percusión.
El Cerebro: grabación.
Vanessa “Fresh Boogie V” Castillejo: voz.
Selan: teclados.
Tony Ozier: grabación voz.
Neco Redd: voz, letras.
Dabrye: producción adicional.
Jonathan Powell: arreglos de cuerda, metales, producción.
Todd Fairall: mezcla.
Este es el tracklist del CD:
Angel. 3:54
Smoking mirrors. 3:34
On a cloud. 3:45
Luv affair. 3:40
Go, go, go. 4:08
Sanctuary. 3:54
Ain’t no ifs or maybes. 4:12
Pigeon hole. 3:40
Lovers & haters. 0:58
The ghost o aveiro. 5:01
Countless excuses. 3:30
American pimp. 4:08
Dirty secrets. 3:35
Rocket science. 4:15
Goodbye/Abundance. 5:29
9/10
Enlace original.
MySpace.
Comprar.
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
jueves, noviembre 12, 2009
Crítica de Live In London, de The Brand New Heavies
The Brand New Heavies.
LIVE IN LONDON.
EMI. (TBNH003)
Edición: 5 Octubre 2009.
Estilo: Acid Jazz; Jazz-Funk; Funk; Soul.
Interesará a…: los que quieran escuchar, en versiones ligeramente diferentes, los clásicos de siempre de The Brand New Heavies.
A punto de entrar en su tercera década de actividad, y un año antes de celebrar el vigésimo aniversario de su álbum debut, The Brand New Heavies (1990), un clásico del acid jazz, el grupo británico presentó su primer disco grabado en directo. Live In London inmortaliza un concierto ofrecido en la sala londinense Indigo2, que tuvo lugar en Octubre del 2008. Por qué tardó un año en editarse es algo que no sé, aunque imagino que tendrá que ver con la búsqueda de la discográfica adecuada por parte de The Brand New Heavies. Por otra parte, es curioso que el grupo no propusiese antes una edición de este tipo, pues era justo lo que necesitaba para remontar su irregular trayectoria. Al fin y al cabo, Live In London es un recopilatorio de sus principales éxitos, sólo que interpretados sobre un escenario en lugar de directamente extraídos de sus diversos álbumes. Dudo que sea casualidad que se editase justo una década después de su primer grandes éxitos, el también peculiar Trunk Funk – The Best Of. Tampoco esa primera compilación seguía el modus operandi habitual, pues los temas más conocidos de su discografía fueron grabados de nuevo con hasta tres vocalistas diferentes, N'Dea Davenport, Siedah Garret y Carleen Anderson. Da la impresión, por tanto, de que al final de cada década The Brand New Heavies consideraba oportuno echar la vista atrás, pero rehuyendo siempre el grandes éxitos convencional.
Comparando Trunk Funk – The Best Of y Live In London queda claro que The Brand New Heavies pasó la primera década del siglo XXI viviendo de rentas, de los éxitos y aciertos de los 90. Sólo editó tres álbumes de estudio, el decepcionante We Won’t Stop (2002), el prescindible aunque pasable All About The Funk (2004) y, finalmente, el esperanzador Get Used To It (2006). Ahora bien, ninguno de esos tres trabajos añadió nada a la gloria del grupo, no sumó ni un solo nuevo clásico a su discografía. Así lo sintió también The Brand New Heavies, pues en Live In London lo que escuchamos son sus temas más memorables de los 90, los que convirtieron álbumes como Brother Sister (1994) o Shelter (1997) en éxitos de ventas. Las piezas de We Won’t Stop y All About The Funk son comprensiblemente ignoradas, y de Get Used To It sólo recupera cuatro temas, Sex god, I don’t know why (I love you), Let’s to it again y All fired up, muy poco para ser el más reciente y teniendo en cuenta que aquí figuran 21 cortes. Este directo, por tanto, es un intento de seguir explotando el filón de los 90, sólo que es un intento muy bien hecho, contando con la necesaria sección de vientos, unas interpretaciones en absoluto aventuradas pero sí convincentes y, cómo no, con la presencia de la gran N’Dea Davenport, que hace crecer la música cada vez que interviene. La única pega es que el sonido no es nada bueno y que las reacciones del público tienen mucho peso en la mezcla final, aunque sospecho que ese es un efecto buscado.
Live In London depara una bienvenida dosis de nostalgia para los seguidores de siempre de The Brand New Heavies y sirve como introducción para todos los demás.
Créditos:
N’Dea Davenport: voz.
Andrew Levy: bajo, coros.
Jan Kincaid: batería, voz.
Simon Bartholomew: guitarra, coros.
Matt Steele: teclados.
Hazel Fernandes: coros.
Lascelles Gordon: percusión.
Finn Peters: saxo.
Nichol Thompson: trombone.
Dominic Glover: trompeta.
James Knight: postproducción.
Paul Nickson: grabación.
Will Shapland: grabación.
Matt Kemp: mezcla.
Este es el tracklist:
Disco 1:
Introduction. 2:28
People get Reddy. 1:53
BNH. 4:45
All fired up. 4:05
Never stop. 5:31
Dream on dreamer. 2:38
Midnight at the oasis. 3:36
Sometimes. 3:38
Back to love. 3:19
Sex god. 4:15
I don’t know why (I love you). 4:47
Ride in the sky. 3:22
Day break. 4:53
Disco 2:
Brother sister. 5:43
Jump and move. 4:28
Let’s to it again. 4:24
Spend some time. 5:20
You are the universe. 5:04
Forever. 5:22
Stay this way. 5:26
Dream come true. 9:02
7,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web http://www.acidjazzhispano.com/
LIVE IN LONDON.
EMI. (TBNH003)
Edición: 5 Octubre 2009.
Estilo: Acid Jazz; Jazz-Funk; Funk; Soul.
Interesará a…: los que quieran escuchar, en versiones ligeramente diferentes, los clásicos de siempre de The Brand New Heavies.
A punto de entrar en su tercera década de actividad, y un año antes de celebrar el vigésimo aniversario de su álbum debut, The Brand New Heavies (1990), un clásico del acid jazz, el grupo británico presentó su primer disco grabado en directo. Live In London inmortaliza un concierto ofrecido en la sala londinense Indigo2, que tuvo lugar en Octubre del 2008. Por qué tardó un año en editarse es algo que no sé, aunque imagino que tendrá que ver con la búsqueda de la discográfica adecuada por parte de The Brand New Heavies. Por otra parte, es curioso que el grupo no propusiese antes una edición de este tipo, pues era justo lo que necesitaba para remontar su irregular trayectoria. Al fin y al cabo, Live In London es un recopilatorio de sus principales éxitos, sólo que interpretados sobre un escenario en lugar de directamente extraídos de sus diversos álbumes. Dudo que sea casualidad que se editase justo una década después de su primer grandes éxitos, el también peculiar Trunk Funk – The Best Of. Tampoco esa primera compilación seguía el modus operandi habitual, pues los temas más conocidos de su discografía fueron grabados de nuevo con hasta tres vocalistas diferentes, N'Dea Davenport, Siedah Garret y Carleen Anderson. Da la impresión, por tanto, de que al final de cada década The Brand New Heavies consideraba oportuno echar la vista atrás, pero rehuyendo siempre el grandes éxitos convencional.
Comparando Trunk Funk – The Best Of y Live In London queda claro que The Brand New Heavies pasó la primera década del siglo XXI viviendo de rentas, de los éxitos y aciertos de los 90. Sólo editó tres álbumes de estudio, el decepcionante We Won’t Stop (2002), el prescindible aunque pasable All About The Funk (2004) y, finalmente, el esperanzador Get Used To It (2006). Ahora bien, ninguno de esos tres trabajos añadió nada a la gloria del grupo, no sumó ni un solo nuevo clásico a su discografía. Así lo sintió también The Brand New Heavies, pues en Live In London lo que escuchamos son sus temas más memorables de los 90, los que convirtieron álbumes como Brother Sister (1994) o Shelter (1997) en éxitos de ventas. Las piezas de We Won’t Stop y All About The Funk son comprensiblemente ignoradas, y de Get Used To It sólo recupera cuatro temas, Sex god, I don’t know why (I love you), Let’s to it again y All fired up, muy poco para ser el más reciente y teniendo en cuenta que aquí figuran 21 cortes. Este directo, por tanto, es un intento de seguir explotando el filón de los 90, sólo que es un intento muy bien hecho, contando con la necesaria sección de vientos, unas interpretaciones en absoluto aventuradas pero sí convincentes y, cómo no, con la presencia de la gran N’Dea Davenport, que hace crecer la música cada vez que interviene. La única pega es que el sonido no es nada bueno y que las reacciones del público tienen mucho peso en la mezcla final, aunque sospecho que ese es un efecto buscado.
Live In London depara una bienvenida dosis de nostalgia para los seguidores de siempre de The Brand New Heavies y sirve como introducción para todos los demás.
Créditos:
N’Dea Davenport: voz.
Andrew Levy: bajo, coros.
Jan Kincaid: batería, voz.
Simon Bartholomew: guitarra, coros.
Matt Steele: teclados.
Hazel Fernandes: coros.
Lascelles Gordon: percusión.
Finn Peters: saxo.
Nichol Thompson: trombone.
Dominic Glover: trompeta.
James Knight: postproducción.
Paul Nickson: grabación.
Will Shapland: grabación.
Matt Kemp: mezcla.
Este es el tracklist:
Disco 1:
Introduction. 2:28
People get Reddy. 1:53
BNH. 4:45
All fired up. 4:05
Never stop. 5:31
Dream on dreamer. 2:38
Midnight at the oasis. 3:36
Sometimes. 3:38
Back to love. 3:19
Sex god. 4:15
I don’t know why (I love you). 4:47
Ride in the sky. 3:22
Day break. 4:53
Disco 2:
Brother sister. 5:43
Jump and move. 4:28
Let’s to it again. 4:24
Spend some time. 5:20
You are the universe. 5:04
Forever. 5:22
Stay this way. 5:26
Dream come true. 9:02
7,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web http://www.acidjazzhispano.com/
sábado, junio 27, 2009
V Fiesta Acid Jazz Hispano: Sábado 18 Julio 2009 - Boogaclub (Granada)
Poco más de un año después de la IV Fiesta Acid Jazz Hispano, que tuvo lugar el 23 de Febrero del 2008 en la sala granadina Boogaclub (la hermana pequeña, en edad, que no en tamaño, de Afrodisia Club), os presentamos la V Fiesta Acid Jazz Hispano, que se celebrará en la misma sala, el sábado 18 de Julio del 2009. Es la primera que organizamos dos fiestas consecutivas en el mismo club, ni siquiera habíamos repetido ciudad, pero en vista del éxito de la anterior, era una tentación demasiado grande no repetir. De hecho, quien estuvo en la IV Fiesta Acid Jazz Hispano comprenderá muy bien por qué volvemos: fue la mejor y más multitudinaria de las celebradas hasta entonces, y eso que las que tuvieron lugar en Afrodisia Club (Granada '06) Dub Club (Valencia '07) y La Moe (madrid, '07) también las recordamos con cariño. Para esta V Fiesta Acid Jazz Hispano, que comenzará a medianoche del sábado y se prolongará hasta casi las siete de la madrugada, volveremos a movilizar al Colectivo Acid Jazz Hispano, el colectivo de DJs de la web, que esta vez estará formado por Ángeles Gómez Ortega, Santiago Tadeo Cervera y Álex Sampedro... Más información y cartel.Crítica de Dojo Cuts, de Dojo Cuts
Dojo Cuts.
DOJO CUTS.
Record Kicks. (RKX026)
Edición: Mayo 2009.
Estilo: Deep-Funk; Funk; Soul.
Interesará a…: los que disfruten con el funk de las antípodas.
De las antípodas surgieron, en la primera década del siglo XXI, dos de las propuestas más destacadas de la escena funk/soul internacional: The Bamboos y Kylie Auldist. Claro que no fue exactamente una casualidad, porque la segunda, Kylie Auldist, era la vocalista de The Bamboos, y en ambos casos la producción era cosa de Lance Ferguson. Tras la repercusión internacional del conjunto y de la cantante en su carrera en solitario, era lógico que fuese una cuestión de tiempo que apareciese un nuevo grupo dedicado al funk y al soul en esa misma zona del planeta. Y así fue, porque en el 2009 el sexteto australiano Dojo Cuts presentó su álbum debut. Lo hizo, además, con la misma vocación de internacionalizarse, firmando por el sello italiano Record Kicks, que previamente había propuesto la música de Kokolo, The New Mastersounds, Trio Valore o Baby Charles, de modo que su prestigio estaba asentado.
Dojo Cuts reconoce la influencia de clásicos como James Brown, The Meters o Maceo Parker, pero sus referencias sonoras son contemporáneas, son los grupos clave del revival deep-funk que azotó la escena negra justo al comienzo del presente siglo. En ese sentido, también es honesto al listar a Breakestra y a Sharon Jones & The Dap Kings, pero, escuchado su debut, es probable que el oyente también recuerde logros anteriores de conjuntos como The Quantic Soul Orchestra, The Soul Investigators o The Sweet Vandals. La diferencia con todos estos precedentes es que Dojo Cuts llegó a las tiendas cuando el deep-funk en su vertiente más cruda ya no pasaba por su momento de mayor popularidad, de modo que, junto a esta faceta funky, el sexteto desarrolla también la obligada cuota de piezas soul. No sé cuanto habrá en esto de creencia y cuanto de cálculo, pero esta alternancia de piezas de funk uptempo con temas soul a medio tiempo es uno de los grandes aciertos del primer trabajo de Dojo Cuts. Escuchar en un mismo disco rompepistas como You make lovin’ real easy o The 1,2,3s y una balada como Love me right (Lola’s lament) da como resultado una combinación irresistible. Además, completando el excelente trabajo del quinteto de instrumentistas, descubrimos a una estimable vocalista, Roxie Ray, la respuesta australiana a Alice Russell.
Créditos:
Guy Kilty: bajo.
Ed Halls: batería.
Nathan Aust: gutiarra.
Andrew Symonds: saxo.
Matthew Parker: trompeta.
Roxie Ray: voz.
Este es el tracklist del CD:
You make lovin’ real easy. 3:39
Uptight. 3:18
Mama told me. 2:54
Say what you men. 3:08
The 1,2,3s. 3:38
I know you didn’t mean it. 3:11
The bing. 3:49
Love me right (Lola’s lament). 3:48
Something going on. 4:50
Duración total: 32:15
8,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
DOJO CUTS.
Record Kicks. (RKX026)
Edición: Mayo 2009.
Estilo: Deep-Funk; Funk; Soul.
Interesará a…: los que disfruten con el funk de las antípodas.
De las antípodas surgieron, en la primera década del siglo XXI, dos de las propuestas más destacadas de la escena funk/soul internacional: The Bamboos y Kylie Auldist. Claro que no fue exactamente una casualidad, porque la segunda, Kylie Auldist, era la vocalista de The Bamboos, y en ambos casos la producción era cosa de Lance Ferguson. Tras la repercusión internacional del conjunto y de la cantante en su carrera en solitario, era lógico que fuese una cuestión de tiempo que apareciese un nuevo grupo dedicado al funk y al soul en esa misma zona del planeta. Y así fue, porque en el 2009 el sexteto australiano Dojo Cuts presentó su álbum debut. Lo hizo, además, con la misma vocación de internacionalizarse, firmando por el sello italiano Record Kicks, que previamente había propuesto la música de Kokolo, The New Mastersounds, Trio Valore o Baby Charles, de modo que su prestigio estaba asentado.
Dojo Cuts reconoce la influencia de clásicos como James Brown, The Meters o Maceo Parker, pero sus referencias sonoras son contemporáneas, son los grupos clave del revival deep-funk que azotó la escena negra justo al comienzo del presente siglo. En ese sentido, también es honesto al listar a Breakestra y a Sharon Jones & The Dap Kings, pero, escuchado su debut, es probable que el oyente también recuerde logros anteriores de conjuntos como The Quantic Soul Orchestra, The Soul Investigators o The Sweet Vandals. La diferencia con todos estos precedentes es que Dojo Cuts llegó a las tiendas cuando el deep-funk en su vertiente más cruda ya no pasaba por su momento de mayor popularidad, de modo que, junto a esta faceta funky, el sexteto desarrolla también la obligada cuota de piezas soul. No sé cuanto habrá en esto de creencia y cuanto de cálculo, pero esta alternancia de piezas de funk uptempo con temas soul a medio tiempo es uno de los grandes aciertos del primer trabajo de Dojo Cuts. Escuchar en un mismo disco rompepistas como You make lovin’ real easy o The 1,2,3s y una balada como Love me right (Lola’s lament) da como resultado una combinación irresistible. Además, completando el excelente trabajo del quinteto de instrumentistas, descubrimos a una estimable vocalista, Roxie Ray, la respuesta australiana a Alice Russell.
Créditos:
Guy Kilty: bajo.
Ed Halls: batería.
Nathan Aust: gutiarra.
Andrew Symonds: saxo.
Matthew Parker: trompeta.
Roxie Ray: voz.
Este es el tracklist del CD:
You make lovin’ real easy. 3:39
Uptight. 3:18
Mama told me. 2:54
Say what you men. 3:08
The 1,2,3s. 3:38
I know you didn’t mean it. 3:11
The bing. 3:49
Love me right (Lola’s lament). 3:48
Something going on. 4:50
Duración total: 32:15
8,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
sábado, abril 11, 2009
IV PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2008: ¡LOS GANADORES!
El 3 de Febrero se puso en marcha una nueva edición de los Premios Acid Jazz Hispano, y justo un mes después, ha llegado el día que tanto (y tantos) estábamos esperando: el que nos permite desvelar cuales han sido los vencedores de los IV Premios Acid Jazz Hispano. El plazo para votar acabó el 28 de Febrero, y tras unos dias de recuento, ya estamos en disposición de anunciar quienes han sido los candidatos más votados en las 18 categorías: Madrid Boogie, de Venueconnection; Groovadelia 2; Tru Thoughts; Soul Vigilantes; Afrodisia Club; Gilles Peterson; Enlace Funk; Jazzanova; 43 Festival De Jazz De San Sebastián 2008; More Vibes!!!, de Mauri Sanchis; Incognito; Shine a light, de Satya Project... En fin, no podemos nombrarlos a todos aquí, así que lo mejor será que eches un vistazo a la siguiente página.Crítica de Tracks On The Rocks, de Diesler
Diesler.
TRACKS ON THE ROCKS.
Freestyle Records. (FSRCD044)
Edición: Marzo 2009.
Estilo: Nu-Funk; Hip Hop; Broken Beat; Nu-Jazz; Afrobeat.
Gustará a…: los que quieran una buena dosis de blacktrónica (muy) bailable.
El rápido ascenso, en repercusión y aprecio de la crítica, protagonizado por Diesler desde su aparición en la escena en el 2004, es comparable al que experimentó Quantic años atrás. Estos dos artistas no sólo tienen en común ser británicos y haber sido descubiertos por el sello Tru Thoughts, sino, sobre todo, ser tan prolíficos como eclécticos. Desde que debutó, en el 2005, con Diggin It Somethin Rotten (Tru Thoughts), entregó otros dos álbumes de estudio en el mismo número de años: Keepie Uppies (Tru Thoughts, 2006) y The Rhythm Station (Frestyle Records, 2007). Estos tres trabajos fueron como un vendaval que azotó la escena blacktrónica, tres obras recibidas cada vez con mayor entusiasmo por parte de crítica y melómanos, además de evidenciar el crecimiento de Diesler como compositor y productor. Quizá como celebración/confirmación del estatus adquirido, o quizá como resumen de su trayectoria hasta el momento, Frestyle Records propuso, a principios del 2009, el recopilatorio Tracks On The Rocks, selección de algunas de las más inspiradas remezclas de o para Diesler, pero sobre todo de Diesler.
Ya lo sospechábamos por sus álbumes de estudio, pero Tracks On The Rocks evidencia dos de sus características más notables: su talento para abordar casi cualquier estilo que tenga que ver con la música electrónica, con la música negra o con la fusión de ambas, y su amor por las pistas. Ambos aspectos puede enfatizarlos en su faceta de remezclador, pues recibe encargos de grupos y artistas muy diversos, y, por el simple hecho de tratarse de reinterpretaciones, ya se presupone que serán bailables, pues ese es su principal propósito. Rasgos generales aparte, en Tracks On The Rocks los que disfruten con la blacktrónica hallarán varias razones para volver a apretar play cada vez que termine, concretamente, hasta catorce motivos para volver a escucharlo. A pesar de que los temas de partida son muy variados, Diesler siempre consigue imprimir su personal sello, su particular concepción de cómo debe sonar un corte rompetistas. Sí, puede que haya hip hop, afrobeat, funk, jazz…, pero en conjunto se aprecia una cierta coherencia, una determinada manera de enfocar el arte de la remezcla. Eso sí, los oyentes que se acercan a este recopilatorio seguramente descubrirán dos o tres temas, sino más, que pasarán a formar parte de sus favoritos, pues eso es lo que suele ocurrir con las selecciones tan eclécticas. Además, Tracks On The Rocks se completa con tres remezclas de temas de Diesler, de las que destacan las firmadas por el compañero de sello Lack Of Afro y por el combo holandés The Jazzinvaders (aquí escrito, a saber por qué, Jazz Invaders).
Cuatro buenos álbumes en cuatro años: mi felicitación, Diesler.
Este es el tracklist del CD:
Kranium rock (Diesler remix). Kidkanevil. 4:00
Akwaaba (Diesler remix). Aiff. 3:30
Restless (Lack Of Afro mix). Diesler. 3:47
Revelations (Jazz Invaders mix). Diesler. 4:31
Hey fella (Diesler remix). The New Mastersounds. 4:48
A million stories (Diesler remix). The Cuban Brothers. 5:09
Bungee jump against racism (Diesler remix). Nirobi & Barakas. 4:10
Dopplegang land (Deela remix). Diesler. 3:27
Footprints (Diesler remix). Orgatronics. 3:57
Escape (Diesler remix). Unity. 4:01
Here we go (Diesler remix). Ruckus Robotics. 3:40
Hybrid (Diesler remix). The Houdinis. 5:05
Our own thing (Diesler remix). Kokolo. 5:00
Bossa for Bebo (Diesler remix). Flow Dynamics. 5:25
9/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
TRACKS ON THE ROCKS.
Freestyle Records. (FSRCD044)
Edición: Marzo 2009.
Estilo: Nu-Funk; Hip Hop; Broken Beat; Nu-Jazz; Afrobeat.
Gustará a…: los que quieran una buena dosis de blacktrónica (muy) bailable.
El rápido ascenso, en repercusión y aprecio de la crítica, protagonizado por Diesler desde su aparición en la escena en el 2004, es comparable al que experimentó Quantic años atrás. Estos dos artistas no sólo tienen en común ser británicos y haber sido descubiertos por el sello Tru Thoughts, sino, sobre todo, ser tan prolíficos como eclécticos. Desde que debutó, en el 2005, con Diggin It Somethin Rotten (Tru Thoughts), entregó otros dos álbumes de estudio en el mismo número de años: Keepie Uppies (Tru Thoughts, 2006) y The Rhythm Station (Frestyle Records, 2007). Estos tres trabajos fueron como un vendaval que azotó la escena blacktrónica, tres obras recibidas cada vez con mayor entusiasmo por parte de crítica y melómanos, además de evidenciar el crecimiento de Diesler como compositor y productor. Quizá como celebración/confirmación del estatus adquirido, o quizá como resumen de su trayectoria hasta el momento, Frestyle Records propuso, a principios del 2009, el recopilatorio Tracks On The Rocks, selección de algunas de las más inspiradas remezclas de o para Diesler, pero sobre todo de Diesler.
Ya lo sospechábamos por sus álbumes de estudio, pero Tracks On The Rocks evidencia dos de sus características más notables: su talento para abordar casi cualquier estilo que tenga que ver con la música electrónica, con la música negra o con la fusión de ambas, y su amor por las pistas. Ambos aspectos puede enfatizarlos en su faceta de remezclador, pues recibe encargos de grupos y artistas muy diversos, y, por el simple hecho de tratarse de reinterpretaciones, ya se presupone que serán bailables, pues ese es su principal propósito. Rasgos generales aparte, en Tracks On The Rocks los que disfruten con la blacktrónica hallarán varias razones para volver a apretar play cada vez que termine, concretamente, hasta catorce motivos para volver a escucharlo. A pesar de que los temas de partida son muy variados, Diesler siempre consigue imprimir su personal sello, su particular concepción de cómo debe sonar un corte rompetistas. Sí, puede que haya hip hop, afrobeat, funk, jazz…, pero en conjunto se aprecia una cierta coherencia, una determinada manera de enfocar el arte de la remezcla. Eso sí, los oyentes que se acercan a este recopilatorio seguramente descubrirán dos o tres temas, sino más, que pasarán a formar parte de sus favoritos, pues eso es lo que suele ocurrir con las selecciones tan eclécticas. Además, Tracks On The Rocks se completa con tres remezclas de temas de Diesler, de las que destacan las firmadas por el compañero de sello Lack Of Afro y por el combo holandés The Jazzinvaders (aquí escrito, a saber por qué, Jazz Invaders).
Cuatro buenos álbumes en cuatro años: mi felicitación, Diesler.
Este es el tracklist del CD:
Kranium rock (Diesler remix). Kidkanevil. 4:00
Akwaaba (Diesler remix). Aiff. 3:30
Restless (Lack Of Afro mix). Diesler. 3:47
Revelations (Jazz Invaders mix). Diesler. 4:31
Hey fella (Diesler remix). The New Mastersounds. 4:48
A million stories (Diesler remix). The Cuban Brothers. 5:09
Bungee jump against racism (Diesler remix). Nirobi & Barakas. 4:10
Dopplegang land (Deela remix). Diesler. 3:27
Footprints (Diesler remix). Orgatronics. 3:57
Escape (Diesler remix). Unity. 4:01
Here we go (Diesler remix). Ruckus Robotics. 3:40
Hybrid (Diesler remix). The Houdinis. 5:05
Our own thing (Diesler remix). Kokolo. 5:00
Bossa for Bebo (Diesler remix). Flow Dynamics. 5:25
9/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
miércoles, febrero 04, 2009
IV PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2008: ¡LAS NOMINACIONES!
Un año más, y ya son cuatro, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2008 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, pues la entusiasta participación del año anterior nos anima a daros la oportunidad de expresar vuestras preferencias en otros aspectos que también consideramos interesantes. Por último, por primera vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido confeccionadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los IV Premios Acid Jazz Hispano acaba el 28 de Febrero, este incluido. Podéis hacerlo a través de la plantilla que encontraréis en el link que hay al final de esta página. A continuación, las nominaciones en cada categoría. Ver nominaciones.Crítica de Did you miss me, de Tortured Soul
Tortured Soul.
DID YOU MISS ME.
TSTC Records/ Dome Records/ Columbia Records.
Edición: 10 Marzo 2009.
Estilo: House; Nu-Funk; Nu-Disco.
Gustará a…: los que busquen en Did you miss me una continuación de Introducing Tortured Soul.
Qué listos son los chicos de Tortured Soul, esto es, el batería/vocalista John-Christian Urich, el teclista Ethan White y el bajista Jkriv. En el 2004 presentan su fabuloso álbum debut, Introducing Tortured Soul, un primer trabajo tan asombroso que, dos años después, el sello británico R2 Records lo reedita, permitiendo así que el público europeo descubra su innovador house, su música dance enteramente orgánica. Entre una y otra edición o, lo que es lo mismo, gracias a su duplicado único trabajo discográfico, el trío se convierte en uno de los más aclamados de dos escenas, la negra y la electrónica, algo que, evidentemente, tiene un gran mérito y dice mucho de su condición rupturista. A partir de ese momento, singles aparte, las únicas novedades que llegan de Tortured Soul se refieren a actuaciones, pero sus seguidores siguen sin noticias de un segundo larga duración. En torno al 2008, el propio grupo anuncia que entra en el estudio, pero no hay fecha de edición prevista. Y entonces se hace la luz y se confirma lo que tanto tiempo se esperaba: el 10 de Marzo del 2009, nuevo disco de Tortured Soul en las tiendas, lanzado casi simultáneamente en Estados Unidos (a través de su sello, TSTC Records), en Europa (Dome Records) y Japón (Columbia Records). Sólo esta distribución mundial ya es un síntoma de la repercusión obtenida en los años anteriores. ¿Por qué son listos? Además de por ser excelentes músicos, por titular su segundo álbum Did you miss me. No sólo es un guiño a sus pacientes seguidores, sino también una acertada introducción a uno de los principales temas de las letras: el viaje. Tras ofrecer más de 400 conciertos en cinco años, es comprensible que sientan que su vida es un continuo desplazamiento, tan frenético como el mostrado en la divertida carátula.
Pero voy ya a ocuparme de lo importante, la música, porque Did you miss me es tan atractivo, interesante y recomendable como Introducing Tortured Soul. Es una magnífica continuación, de modo que no se aprecia una particular evolución pero nos devuelve ese energético house que mira al futuro (así descubrió su música el gurú Gilles Peterson) pero bebiendo de la música negra del pasado, con predilección por el funk, el soul, el R&B y la música disco. Por supuesto, no sorprenderá tanto a los que conozcan el disco precedente, porque la fórmula es la misma, y el gran espectáculo de Tortured Soul es escucharlo sobre un escenario, pero este segundo álbum es también una delicia. Se trata de una invitación al baile de principio a fin, un reclamo para los que disfruten con la música dance de influencia negra (hay piezas que recuerdan a Jamiroquai, otras al Incognito más housero), pero también para los aficionados a la electrónica deseosos de un sonido más orgánico. El único corte discutible es We like tequila, una relajante bossa nova en la que el trío expresa su amor por la bebida mexicana. No pega nada con el conjunto, pero bueno, tiene su gracia y ni siquiera eso empaña un trabajo que, por lo demás, es una gozada.
Este es el tracklist del CD:
Home to you. 5:54
In my fantasy. 5:53
Did you miss me (intro). 1:00
Did you miss me. 4:11
Your dreams is my dream. 4:48
Time to make up your mind. 5:38
Another lover. 5:14
Unsteady. 4:37
We like tequila. 3:34
Special lady. 6:42
In motion. 3:55
See you more. 6:11
At the bottom. 5:05
Duración total: 1:02:42
9/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
lunes, diciembre 29, 2008
Crítica de Amen, Brother, de Osaka Monaurail
Osaka Monaurail.
AMEN, BROTHER.
Unique Records. (UNIQ152)
Edición: 21 Noviembre 2008.
Estilo: Funk; Soul-Funk; Soul.
Gustará a…: los que adoren los álbumes de versiones.
Osaka Monaurail ofrece la faceta más comercial del funk, esa que atrae incluso a los que no son grandes aficionados del estilo, o no lo son en absoluto. Al fin y al cabo, no va a tener Maceo Parker la exclusiva en ese territorio, pues el combo japonés también puede interpretar ese funk festivo, (casi) permantemente uptempo, con solos bien medidos y una ilimitada capacidad para animar. Este carácter comercial, con lo de comercial entre comillas, pues está claro que Amen, Brother, no va a ser un super-ventas, es algo bueno, pues todos los estilos necesitan de este tipo de álbumes para atraer a más público, para que los aficionados puedan regalárselos a sus amigos convencidos de que gustarán. No cabe buscar en Osaka Monaurail el futuro del funk, ni tampoco ninguna señal de innovación o personalidad, pero como divertimento, como impecable réplica de los JB’s, es infalible, plenamente convincente. Tampoco encontrarás osadía ni mucha aventura, pero sí virtuosismo interpretativo y una conjunción tan perfecta que asusta.
Amen, Brother fue editado en Japón firmado como Undercover Express, lo que ocurre es que en el resto del mundo se comercializó con el nombre de Osaka Monaurail pues así sus ventas serían mucho mayores. Esto es lo que explica, en parte, que no se trate de una continuación exacta de Reality For The People (Unique Records, 2007), que no se limite al funk y abrece también una vertiente más soul. Para empezar, no hay ni una sola versión de James Brown, aunque el repertorio no es muy diferente: Isaac Hayes por dos veces, Kool & The Gang, Curtis Mayfield, The Meters, The Temptations, Stevie Wonder… Eso sí, no todas las elecciones son tan obvias como cabría esperar, pues también reinterpreta a la Yellow Magic Orchestra, a Jimi Hendrix y a The Beatles (su revisión de Hey Jude no es muy inspirada, pero aún así funciona). No son estas las versiones más imaginativas jamás grabadas, ni tan siquiera las más sorprendentes, pero ninguna chirría, todas están bien resueltas. De todas formas, sería interesante escuchar las composiciones de Ryo Nakata, el líder de Osaka Monaurail, pues así tenemos más posibilidades de conocer su personal concepción del funk.
Este es el tracklist del CD:
1. Amen, Brother. 3:57
2. Mad Pierrot. 3:31
3. Open The Door, Richard! 5:46
4. Cafe Regio's. 5:03
5. Supershine # 9. 2:39
6. Chocolate Butter Milk. 2:45
7. Get Down. 1:06
8. Little Old Money Maker. 2:58
9. Get Ready. 2:58
10. Message To Love. 2:31
11. Divertissment. 2:52
12. Signed, Sealed Delivered I'm Yours. 2:40
13. Hey Jude. 5:02
14. Truck Turner. 3:15
15. Soulful Strut. 4:38
16. Tighten Up. 3:16
8,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
sábado, octubre 18, 2008
Crítica de Metamorphosis, de Maysa
Maysa.
METAMORPHOSIS.
Expansion Records/ Shanachie Records. (XECD55)
Edición: 13 Octubre 2008.
Estilo: Soul; Neo-Soul; Urban; House.
Gustará a…: los que no quieran sorpresas cuando se trate de Maysa.
Antes de nada, quizá lo mejor sea precisar que, a pesar de titularse Metamorphosis, este séptimo álbum de Maysa es más continuista que otra cosa. No sólo no se ha producido ninguna metamorfosis en su concepción del soul, sino que sigue en la misma línea. Quizá se deba únicamente al cambio de look que apreciamos en la carátula, pero está claro que yo no soy la persona más indicada para juzgar ese aspecto, eso se lo dejo a sus asesores de imagen. Lo que nos importa aquí es su interpretación vocal y la calidad del álbum, y ambas cuestiones son altamente satisfactorias. Ella es una de las grandes voces de la escena soul desde el comienzo de su actividad, a principios de los 90, de la mano de la banda Incognito, y a eso suma su inteligencia para contar con buenos compositores, productores e invitados varios. Además, ella misma es una buena compositora, como vuelve demostrar en casi todos los cortes aquí incluidos, siempre en régimen de coescritura, eso sí. La principal diferencia respecto a su discografía precedente es que sus dos anteriores álbumes, Sweet classic soul (2006) y Feel the fire (2007), se centraban en clásicos de la música negra, de modo que aquí ofrece material original por primera vez desde Smooth sailing (2004). La vuelta a una música más personal posiblemente sea lo que favorezca que este sea su mejor trabajo desde el inolvidable All my life (2000).
El planteamiento de Metamorphosis no es precisamente sorprendente ni novedoso, pues presenta la esperada alternancia de baladas soul y piezas bailables en las que la producción incluye una base programadas a ritmo de house. Pero eso no supone ningún lastre para el larga duración, pues eso es lo que esperan los seguidores de Maysa y es lo que mejor sabe hacer. Su interpretación es tan versatil que seduce en los tiempos lentos, como en el explícito I need a man, y en los temas orientados a las pistas, como Let’s figure out (a song for Bluey), un guiño a Jean-Paul Maunick, aka Bluey, el creador de Incognito, justamente en un corte que perfectamente podría firmar la banda inglesa, pues es bailable, con un sonido limpio y está preñado de groove. La composición y producción se la reparten Chris David y Rex Rideout (con el que cuenta por cuarta vez), aunque también participan la gran Angela Johnson, que aporta su talento al uptempo y memorable Happy feelings, y Ledisi, que coescribe con Maysa Walk away, un delicioso soul-jazz.
Este es el tracklist del CD:
My destiny feat. Najee.
Simpatico.
Never really ever.
Higher love feat. Najee.
Take me away.
Grateful.
Let’s figure out (a song for Bluey) feat. Nick Colionne.
I need a man.
Happy feelings.
Love so true.
Walk away.
A coversation with the universe feat. Global Noize.
I can’t help it.
All I do.
8,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
METAMORPHOSIS.
Expansion Records/ Shanachie Records. (XECD55)
Edición: 13 Octubre 2008.
Estilo: Soul; Neo-Soul; Urban; House.
Gustará a…: los que no quieran sorpresas cuando se trate de Maysa.
Antes de nada, quizá lo mejor sea precisar que, a pesar de titularse Metamorphosis, este séptimo álbum de Maysa es más continuista que otra cosa. No sólo no se ha producido ninguna metamorfosis en su concepción del soul, sino que sigue en la misma línea. Quizá se deba únicamente al cambio de look que apreciamos en la carátula, pero está claro que yo no soy la persona más indicada para juzgar ese aspecto, eso se lo dejo a sus asesores de imagen. Lo que nos importa aquí es su interpretación vocal y la calidad del álbum, y ambas cuestiones son altamente satisfactorias. Ella es una de las grandes voces de la escena soul desde el comienzo de su actividad, a principios de los 90, de la mano de la banda Incognito, y a eso suma su inteligencia para contar con buenos compositores, productores e invitados varios. Además, ella misma es una buena compositora, como vuelve demostrar en casi todos los cortes aquí incluidos, siempre en régimen de coescritura, eso sí. La principal diferencia respecto a su discografía precedente es que sus dos anteriores álbumes, Sweet classic soul (2006) y Feel the fire (2007), se centraban en clásicos de la música negra, de modo que aquí ofrece material original por primera vez desde Smooth sailing (2004). La vuelta a una música más personal posiblemente sea lo que favorezca que este sea su mejor trabajo desde el inolvidable All my life (2000).
El planteamiento de Metamorphosis no es precisamente sorprendente ni novedoso, pues presenta la esperada alternancia de baladas soul y piezas bailables en las que la producción incluye una base programadas a ritmo de house. Pero eso no supone ningún lastre para el larga duración, pues eso es lo que esperan los seguidores de Maysa y es lo que mejor sabe hacer. Su interpretación es tan versatil que seduce en los tiempos lentos, como en el explícito I need a man, y en los temas orientados a las pistas, como Let’s figure out (a song for Bluey), un guiño a Jean-Paul Maunick, aka Bluey, el creador de Incognito, justamente en un corte que perfectamente podría firmar la banda inglesa, pues es bailable, con un sonido limpio y está preñado de groove. La composición y producción se la reparten Chris David y Rex Rideout (con el que cuenta por cuarta vez), aunque también participan la gran Angela Johnson, que aporta su talento al uptempo y memorable Happy feelings, y Ledisi, que coescribe con Maysa Walk away, un delicioso soul-jazz.
Este es el tracklist del CD:
My destiny feat. Najee.
Simpatico.
Never really ever.
Higher love feat. Najee.
Take me away.
Grateful.
Let’s figure out (a song for Bluey) feat. Nick Colionne.
I need a man.
Happy feelings.
Love so true.
Walk away.
A coversation with the universe feat. Global Noize.
I can’t help it.
All I do.
8,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
lunes, septiembre 08, 2008
Crítica de Diggin' up roots, de Mama Boogie
Mama Boogie.
DIGGIN’ UP ROOTS.
Free Code Jazz Records. (FC30CD)
Edición: 2007.
Estilo: Funk; Blues; Gospel; Jazz; Soul.
Gustará a…: los amantes de las raíces de la música negra.
Sorprende escuchar un álbum debut tan maduro, logrado y, sobre todo, ambicio, como el de Mama Boogie. Es ambicioso desde el punto de la producción, porque juntar a diez músicos en un estudio, más un invitado, Jose Ferro, no es nada sencillo, pero también lo es en lo desde el punto de vista artístico. Del primer apartado, asombra que esté grabado en directo y, para mayor dificultad, en analógico. Claro que, para obtener el sonido que el grupo quería, no había más remedio que plantear así la grabación. El segundo apartado, el artístico, ya viene precedido por el título, Diggin’ up roots, pues ya explicita el objetivo de Mama Boogie. El grupo nos sumerge en el lado clásico de la música negra, en las raíces, de ahí que su propuesta desprenda ese aroma a viejo vinilo, que sea tan adorablemente retro. Pero lo mejor es que logra ese objetivo con brillantez, que, independientemente de la personalidad de Mama Boogie, su música parece creada varias décadas antes, que todo, desde los arreglos instrumentales hasta los coros, incluyendo las melodías y los patrones rítmicos, está creado a partir de la influencia de los clásicos. Diggin’ up roots es un gran homenaje a la música con la que crecieron los componentes del conjunto, una adaptación fidedigna e inteligente.
Al poner el primer trabajo de Mama Boogie en el reproductor, lo primero que llama la atención, y muy positivamente, es su poderío instrumental, su desbordante energía, su sentido del groove, su vitamínica concepción de los sonidos negros. En fin, contar con diez músicos es una ayuda, pero las composiciones de Luis Figueroa y, también, Jose Luis Fuentes, sacan un enorme provecho de las características de la banda. Luego, a medida que se va avanzando en la escucha, Diggin’ up roots deslumbra por su variedad estilística. Suena funk, soul, blues, gospel y jazz (no podía ser de otra forma estando el disco editado por el interesante sello Free Code Jazz Records), pero lo increible es que en todos los estilos parece estar cómodo Mama Boogie, que cada vez da la sensación de que el que está sonando es el estilo que domina, impresión que cambia en cuanto comienza el siguiente corte, en el que los resultados son igual de estimulantes.
Un debut robusto, bien interpretado, entretenido y, ante todo, muy bailable.
Créditos:
Luis Figueroa: guitarra, composición, diseño y arreglos de viento, voz en tema 7.
David Elejalde “Ojaldre”: voz, arreglos de coro y letras.
Manuel Antón Castro: bajo eléctrico.
Christian Chiloé: batería.
Jose Luis Fuentes: órgano y composición temas 5 y 9.
Pablo Añón: saxo alto.
Nahuel Pérez: saxo tenor, harmónica.
Yevhen Riechkalov: trompeta.
María López: coros y arreglos de coro.
Yaiza García: coros y arreglos de coro.
Jose Ferro: bajo y composición en tema 4.
Marina Zapata: arreglos de coro.
Toño Vázquez: grabación, técnico de sonido y mezclas.
Rubén García: masterización.
Pablo Ulpiano: diseño.
Jaime Pintos: diseño.
Este es el tracklist del CD:
Get it together. 7:29
Woman pain. 3:59
Snake hand groove. 5:35
Hit my kidney. 4:44
Dogchild. 3:37
Cheer up your hip bone, brother J. 3:56
Deep deep down. 6:41
My baby got funky. 6:58
My lovin’ baby. 5:34
Horse walkin’. 2:45
Duración total: 51:39
9/10
DIGGIN’ UP ROOTS.
Free Code Jazz Records. (FC30CD)
Edición: 2007.
Estilo: Funk; Blues; Gospel; Jazz; Soul.
Gustará a…: los amantes de las raíces de la música negra.
Sorprende escuchar un álbum debut tan maduro, logrado y, sobre todo, ambicio, como el de Mama Boogie. Es ambicioso desde el punto de la producción, porque juntar a diez músicos en un estudio, más un invitado, Jose Ferro, no es nada sencillo, pero también lo es en lo desde el punto de vista artístico. Del primer apartado, asombra que esté grabado en directo y, para mayor dificultad, en analógico. Claro que, para obtener el sonido que el grupo quería, no había más remedio que plantear así la grabación. El segundo apartado, el artístico, ya viene precedido por el título, Diggin’ up roots, pues ya explicita el objetivo de Mama Boogie. El grupo nos sumerge en el lado clásico de la música negra, en las raíces, de ahí que su propuesta desprenda ese aroma a viejo vinilo, que sea tan adorablemente retro. Pero lo mejor es que logra ese objetivo con brillantez, que, independientemente de la personalidad de Mama Boogie, su música parece creada varias décadas antes, que todo, desde los arreglos instrumentales hasta los coros, incluyendo las melodías y los patrones rítmicos, está creado a partir de la influencia de los clásicos. Diggin’ up roots es un gran homenaje a la música con la que crecieron los componentes del conjunto, una adaptación fidedigna e inteligente.
Al poner el primer trabajo de Mama Boogie en el reproductor, lo primero que llama la atención, y muy positivamente, es su poderío instrumental, su desbordante energía, su sentido del groove, su vitamínica concepción de los sonidos negros. En fin, contar con diez músicos es una ayuda, pero las composiciones de Luis Figueroa y, también, Jose Luis Fuentes, sacan un enorme provecho de las características de la banda. Luego, a medida que se va avanzando en la escucha, Diggin’ up roots deslumbra por su variedad estilística. Suena funk, soul, blues, gospel y jazz (no podía ser de otra forma estando el disco editado por el interesante sello Free Code Jazz Records), pero lo increible es que en todos los estilos parece estar cómodo Mama Boogie, que cada vez da la sensación de que el que está sonando es el estilo que domina, impresión que cambia en cuanto comienza el siguiente corte, en el que los resultados son igual de estimulantes.
Un debut robusto, bien interpretado, entretenido y, ante todo, muy bailable.
Créditos:
Luis Figueroa: guitarra, composición, diseño y arreglos de viento, voz en tema 7.
David Elejalde “Ojaldre”: voz, arreglos de coro y letras.
Manuel Antón Castro: bajo eléctrico.
Christian Chiloé: batería.
Jose Luis Fuentes: órgano y composición temas 5 y 9.
Pablo Añón: saxo alto.
Nahuel Pérez: saxo tenor, harmónica.
Yevhen Riechkalov: trompeta.
María López: coros y arreglos de coro.
Yaiza García: coros y arreglos de coro.
Jose Ferro: bajo y composición en tema 4.
Marina Zapata: arreglos de coro.
Toño Vázquez: grabación, técnico de sonido y mezclas.
Rubén García: masterización.
Pablo Ulpiano: diseño.
Jaime Pintos: diseño.
Este es el tracklist del CD:
Get it together. 7:29
Woman pain. 3:59
Snake hand groove. 5:35
Hit my kidney. 4:44
Dogchild. 3:37
Cheer up your hip bone, brother J. 3:56
Deep deep down. 6:41
My baby got funky. 6:58
My lovin’ baby. 5:34
Horse walkin’. 2:45
Duración total: 51:39
9/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
jueves, agosto 07, 2008
Crítica de Black feeling, de Varios Artistas
Varios.
BLACK FEELING.
Freestyle Records. (FSR CD027)
Edición: 2007.
Estilo: Funk; Soul; Jazz.
Gustará a…: los amantes de las compilaciones de rarezas de música negra.
Antes de comentar los aspectos artísticos de Black feeling, es necesario aclarar que los grupos y artistas que figuran en el tracklist son ficticios, son pseudónimos creados expresamente para la ocasión, para dar la impresión de que se trata de una compilación de rarezas. Este es un proyecto impulsado por Adrian Gibson, el director del sello londinense Freestyle Records (y DJ asociado al Jazz Cafe de la misma ciudad), pero que ha sido realizado por Lance Ferguson, alguien a quien, en Acid Jazz Hispano, admiramos por ser el líder de The Bamboos, miembro de Cookin’ On 3 Burners y por su carrera en solitario con el nombre artístico Lanu. Ferguson, con la complicidad de músicos de The Bamboos y Cookin’ On 3 Burners, es el director artístico de este proyecto de versiones, pero para darle la apariencia de “un álbum que encontrarías practicando diggin en una tienda de discos caribeña o en una casa de artículos de segunda mano estadounidense” (en palabras de Freestyle Records) cada tema está firmado con un nombre diferente. Hasta la carátula está creada con la intención de parecerse a un viejo vinilo que ha pasado décadas cogiendo polvo en una estantería. Así pues, no existe ningún grupo que se llame Pacific Rhythm Combo, ni muchos menos un Sexteto Excelencio (qué bien se lo debieron de pasar poniendo los nombres), es inútil que, si acudís a Queens, preguntéis por la Queens Community Show Band, el Esperanto que figura aquí no es el que grabó un disco para Soul Jazz Records en 1995 y, naturalmente, no hay un músico que responda al nombre de Alvarado Rodriguez y que tenga un trío. En definitiva, que nadie se ponga a buscar como loco un vinilo en el que esté originalmente incluido alguno de estos cortes, porque no existe.
En cuanto al sonido de Black feeling, lo mejor será afirmar desde esta primera frase del segundo párrafo que se trata de una delicia, una recomendación segura para los que disfruten con esa triada de la música negra que conforman el funk, el soul y el jazz. Estos grupos improvisados para la ocasión ofrecen inspiradas y creativas versiones de clásicos de James Brown, Al Foster Band (la revisión de Night of the wolf es casi tan memorable como la original), Rusty Bryant o Richards People, además de curiosidades varias, como las reinterpretaciones Hippy skippy moonstrut (del que está extraido el sample utilizado para el hit Ain’t no other man, de Christina Aguilera) o Executive party, de la banda sonora de Rollerball. Black feeling no es imprescindible, pero dudo que alguien no crea que ha merecido la pena invertir dinero y tiempo en su escucha.
Este es el tracklist del CD:
Honky tonk popcorn. Pacific Rhythm Combo. 6:02
The blessing song. Shirley Eubanks Ensemble. 6:49
Night of the wolf. Esperanto. 4:25
Hippy skippy moonstrut. The Mighty Show-Stoppers. 3:52
Fire eater. Sexteto Excelencio. 5:41
Ghetto funk. Queens Community Show Band. 5:29
Whatcha feel is whatcha get. Prince Nafa & His Polynesians 4:43
Yo yo. Alvarado Rodriguez Trio + 4. 4:27
Black feeling. Luther Harris. 7:37
Broasted or fried. King Hector & The Soul Dynamites. 5:18
Licking stick licking stick. Rusty Garnett. 4:25
Executive party. Zoltar. 5:21
Duración total: 1:04:15
9/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
domingo, junio 29, 2008
Crítica de Live at the BBC, de Stereo MC's
Stereo MC’s.
LIVE AT THE BBC.
Island Records.
Edición: Febrero 2008.
Estilo: Acid Jazz; Hip Hop.
Gustará a…: los que quieran saber por qué Stereo MC’s fue tran apreciado a principios de los 90.
Aunque lo comprenda, no deja de ser triste que un grupo como Stereo MC’s, que fue tan innovador a principios de los 90, llevase más de una década viviendo de sus éxitos del pasado. Siendo benévolos, podemos reducir ese tiempo a siete años, contando desde el 2001 (año en el que editó su último álbum digno del recuerdo, Deep, down and dirty), pero no deja de ser mucho tiempo igualmente. Live at the BBC es una selección de sus actuaciones para la emisora de radio inglesa, que abarca un periodo que comienza en 1989 y termina en el 2001. Las primeras apariciones radiofónicas corresponden a la presentación de los temas de su debut, 33 45 78 (1989), y las últimas a Deep, down and dirty (2001), su cuarto álbum de estudio. También figuran sesiones que conciden con la edición del resto de su discografía: en 1991, con los temas de Supernatural (1990), y en 1993, con los temas de Connected (1992). Diréis, y con razón, que falta un disco, Paradise, del 2005, pero claro, de este último no quedó ni un sólo tema para la posteridad, pues aunque tenía cierto interés, era perfectamente prescindible.
El 2008 fue el año del retorno de Stereo MC’s, ya que presentó su quinto álbum de estudio, Hot plate, pero claro, ¿cómo recordar a los consumidores que era un grupo a tener en cuenta, que había sido uno de los más importantes conjuntos de hip hop en el Reino Unido, si sus éxitos y mayores logros creativos quedaban ya muy lejos? Editar un grandes éxitos no era una opción, porque ya contaba con uno en su discografía, Retroactive, del 2003, así que se impuso la alternativa del disco grabado en directo, Live at the BBC, que en realidad no es otra cosa que un nuevo recopilatorio de éxitos. Se nota que Stereo MC’s ha tratado de maquillarlo variando el tracklist respecto a Retroactive, pero claro, tampoco se puede hacer gran cosa, porque no dispone de tantos hits entre los que elegir, así que en ambas ediciones coincide la presencia de las piezas emblemáticas del conjunto inglés, esto es, Elevate my mind, Deep down and dirty, Connected o Step it up, entre otras. Dado que los temas son buenos o muy buenos, y que las interpretaciones en directo, a pesar de no diferir apenas de las de estudio, son atractivas, la escucha de Live at the BBC es agradable, pero claro, una edición como esta difícilmente puede entusiasmar a alguien que ya conoce la discografía de Stereo MC’s, de modo que, definitivamente, el destinatario de este recopilatorio es alguien que no haya escuchado los álbumes que la banda inglesa editó en los 90.
Este es el tracklist del CD:
Elevate my mind. 4:07
Sofisticated. 4:04
Deep down and dirty. 4:20
Fade away. 4:43
Graffiti-part 1. 2:45
Graffiti-part 2. 3:22
Connected. 5:31
Pressure. 4:40
Playing with fire. 4:46
Lost in music. 4:42
Ground level. 5:56
Breeze. 1:11
Step it up. 5:45
Creation. 4:24
Set it off. 3:06
What is soul. 4:44
Toe to toe. 4:39
Gee street. 2:59
Duración total: 1:15:42
8/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.
domingo, mayo 18, 2008
Soul Nation Número 6
Ya está en los quioscos el número 6 de la revista Soul Nation. Os dejamos con el texto de presentación: "Sabemos que nos echábais de menos. Que teníais frito a vuestro quiosquero detrás de nosotros. Pues bien, se acabó la espera y os aseguramos que ha merecido la peña. Ya sabéis que dejamos la bimestralidad para estar en las calles cada 6 meses bien cargados de contenidos, entrevistas e interesantes artículos, de esos que nos unen a todos, colaboradores, redactores y lectores como buenos amantes de la música negra que somos. En portada tenemos a una grande como Erykah Badu, que próximamente visitará de nuevo nuestro país. Con esta ocasión a la vista, hemos preparado un reportaje bastante completo acerca de su nuevo disco, "New amerykah". Con ella traemos cercanas entrevistas a Glen Anthony Henry, Angela Johnson, Soul Vigilantes, Conya Doss, Satya Project, Casbah 73, Bill Evans, Venueconnection, Jose Vera, Saravah Soul, Trina Broussard, Jamie Lidell, Kokolo Afrobeat Orchestra, Mario Pérez, Carmen Rey, Taera, Funkdacion, Metro, interesantes reportajes sobre Lizz Wright, Jaheim, John Coltrane, Roy Ayers, Otis Redding, Me' Shell Ndegeócello, Ron Blake y nos detenemos en dos importantes sellos: Tru Thoughts y Chocolatsoul Records. Si a esto le unimos las reviews a 80 discos de soul, funk, latin & grooves, clásicos y jazz, nuestras secciones habituales y el precio -3,95 €- no tienes una revista que leer: tienes la revista. ¿No crees? Continuamos trabajando para nuestro próximo número de Noviembre. Mientras disfruta de nuestro regreso. ¡De nuevo en casa! ¡En tu casa!"
Crítica de Soul Atac, debut de Soul Atac
Soul Atac.
SOUL ATAC.
Autoproducido/ Temps Record.
Edición: 2006.
Estilo: Funk; Soul; Nu-Funk; Funk-Rock; Acid Jazz.
Gustará a…: los interesados por la música negra que invita a la reflexión.
He aquí un álbum coherente de principio a fin, un disco-concepto que sigue una clara línea estética e ideológica que no traiciona en ningún momento. Desde la brillante introducción hasta el festivo tema escondido, el debut homónimo de Soul Atac es un ejemplar ejercicio de uniformidad, de trabajo pensado como un todo, no como una mera recopilación de temas independientes. Primero llega la sorpresa con una Intro que se abre con un breve fragmento de jota valenciana (o canto tradicional valenciano, no sabría decir), un fragmento que, además de hacerte pensar que te has equivocado de CD, establece uno de los elementos principales de Soul Atac: el valenciano como idioma para las letras, todas cantandas, además, en un correctísimo valenciano, cosa que da gusto. Tras este singular inicio, la introducción vuelve a sorprendernos al sumergirnos en un mundo en el que se ha extendido una extraña enfermedad, llamada “virus del soul” o “enfermedad del alma”, una dolencia de la que, afortunadamente, Soul Atac puede curarnos, pues viene a “llevarse todos nuestros males”, a “sembrar las semillas de la funkilización”.
A partir de ese momento, atrapados como estamos tras tan original introducción, asistimos a un torbellino de ritmos y pegadizas melodías que, en efecto, consiguen curar todos nuestros males o, al menos, que nos olvidemos de ellos. Este sólido primer trabajo de Soul Atac es tan festivo como energético, una superproducción desde el punto de vista de la instrumentación (¡una veintena de instrumentistas!), que invita al baile y que, ante todo, ha nacido con vocación de animar al oyente. El funk es el estilo predominante, pero un funk con una sección de metales apabullante, y que bebe de múltiples influencias, incluyendo convincentes pasajes de jazz latino. Es un funk deudor de los clásicos, pero reinterpretado desde una perspectiva contemporánea, en el que se integran scratches, maneras del rock y, puntualmente, sensibilidad pop. En defintiva, sólo por la parte musical, Soul Atac ya sería muy atractivo, pero esa es sólo una parte. Soul Atac suma a esto unas letras reivindicativas, combativas y siempre inteligentes. Obviamente, no faltan los textos aparantemente inofensivos tan propios del género, como en La llum del funk (una pieza excelente, por cierto), pero incluso en ese corte queda patente la doble lectura. Propone alegatos en contra de la cultura del tener y a favor del espíritu crítico y la búsqueda de la verdad. Para escucharlas con atención.
Termino con parte de la letra de La llum del funk: “Fes el funk i no la guerra” (haz el funk y no la guerra).
Créditos:
Marga Landete: voz, letra en temas 5 y 8.
Manoli Alandes: voz, letra en temas 4, 7 y 10, adaptación letra tema 9.
Anna Franco: voz, letra en tema 8.
Andreu Garcia: guitarra, letra en temas 1, 2, 4, 5, 6 y 7.
Paco Rovira: bajo.
Ximo Femenia: batería.
Edu Casañ: congas y percusión.
Ferran Pardo: fender rhodes.
Toni Benavent: trombón, rap en tema 6.
Javi Lario: saxo tenor.
Dani Vara: saxo alto.
Toni Tornero: trompeta.
Carlos Mandievus: voz raggamuffin en tema 1.
DJ Noan: scratch en temas 1, 3, 5, 6 y 8.
Ramon V. Pasqual: voz sampleada en tema 1.
Silvia Cabrera: voz sampleada en tema 1.
Enric Steve: voz sampleada en tema 1.
Joan Carles Ventura: letra en temas 3 y 10.
Miquel Ramos: voz en temas 3, 5.
Àlvar Carpi: solo guitarra en tema 4, guitarra en temas 9 y 10.
Hupo Llopis: voz en tema 10.
Luis Prado: piano en tema 10.
Pastualet: tuba en tema 10.
Motxo: clarinete en tema 10.
Ruben Franch: cajón flamenco en tema 10.
Carmen García: voz en tema 10.
Este es el tracklist del CD:
Intro.
El titella i l’hivern.
Roda la trola.
Res.
Mai.
Qui diu què?
No tanques les mans.
La llum del funk.
Vas vas vas.
Dixie nº 10.
Duración total: 40:46
9/10
EScrito por Santiago Tadeo Cervera para Acid Jazz Hispano.
martes, abril 15, 2008
Entrega de los III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 -Marula Café - 24 Abril - Madrid
Los Premios Acid Jazz Hispano, que comenzaron a celebrarse en el 2005, han ido creciendo año a año, pues el aumento en el número de categorías ha sido paralelo al del número de participantes. También esperamos que esto esté acompañado por una cada vez mayor consideración por parte de los visitantes de esta web y por los artistas, hayan o no sido nominados/premiados. Siguiendo con este progresivo crecimiento, que esperamos tenga continuidad en el futuro, este año, por primera vez, organizamos una entrega de premios. Tras conocerse los resultados de los III Premios Acid Jazz Hispano 2007, hemos querido entregar personalmente los premios a todos los ganadores que puedan asistir. Será un fiesta sencilla, pero queremos que sea exactamente eso, una fiesta protagonizada por buenos músicos y responsables de su difusión, una reunión de amantes de la buena música. Tendrá lugar en la sala ganadora del Premio a la Mejor Sala, Marula Café, el Jueves 24 de Abril, a las 22:00. Primero entregaremos los diplomas a los ganadores, y acto seguido empezará la parte musical con una sesión del Colectivo Acid Jazz Hispano (Álex Sampedro, Santiago Tadeo Cervera y José Antonio de la Jara), seguida por otra de Casbah 73, el gran triunfador de los III Premios Acid Jazz Hispano 2007. ¡Os esperamos! Ver flyer.
Crítica de Miss Patti’s christmas, de Patti LaBelle
Patti LaBelle.
MISS PATTI’S CHRISTMAS.
Def Soul Classics.
Edición: 9 Octubre 2007.
Estilo: Soul; R&B Contemporáneo; Gospel.
Gustará a…: los que disfruten con las voces soul incluso en un contexto contemporáneo.
La mayor parte de los álbumes navideños son como para salir corriendo. Productos paridos y dirigidos directamente desde los despachos de las multinacionales por ejecutivos que están más pendientes de la prima navideña que recibirán que del resultado artístico del artefacto discográfico que están perpetrando. También son un buen vehículo para los artistas comerciales, pues suelen tener una buena acogida, aunque sólo sea por la cantidad de consumidores poco originales que recurren a ellos para cumplir con el trámite de los regalos. En definitiva, pocos son los vocalistas que pueden permitirse el lujo de prescindir de un álbum navideño en su discografía, a no ser, claro está, que les dé igual vender más o menos. En este sentido, Patti LaBelle está libre de sospecha, pues aunque ha conocido el éxito a lo largo de varias décadas con múltiples temas, en el 2007 no era precisamente un artista con pretensiones comersiales: podía darse por satisfecha con conservar una parte de sus seguidores de siempre. Así pues, un álbum navideño como Miss Patti’s christmas firmado por Patti LaBelle sí merece que se le dé una oportunidad.
Como podíamos imaginar, Miss Patti’s christmas dista mucho de ser la clásica sucesión de temas empalagosos. Por supuesto que recurre a temas de temática navideña y cantos tradicionales, y no pretende ser rompedor, pero ha sido creado con tal mimo que resultará interesante tanto para los amantes del soul clásico como del R&B contemporáneo. De hecho, es posible que acabe seduciendo incluso a los más empedernidos detractores de la navidad y toda la parafernalia que la acompaña. Creo que será así porque lo que prima es el talento de Patti LaBelle, que se toma esta edición muy en serio, como una oportunidad que no puede dejar pasar para demostrar su virtuosismo vocal, que todavía conserva intacta la capacidad para emocionar. Pero no lucha sola ante el peligro, porque ha contado con la participación de los productores Terry Lewis y Jimmy Jam, que han sabido alternar piezas de corte clásicos con otras que integran con acierto un sonido contemporáneo. Me refiero a las incursiones en el R&B contemporáneo e, incluso, ¡el hip hop! Pero bueno, en algo tiene que notarse que Miss Patti’s christmas está editado por Def Soul Classics, apartado soul del importante sello de hip hop Def Jam.
Este es el tracklist del CD:
Christmas jam. 4:18
It’s the most wonderful time of the year. 3:08
What do the lonely do at christmas? 4:07
Holidays mean more to me. 4:38
It’s going to be a merry christmas. 4:34
Do you hear what I hear? 5:01
Nativity. 3:47
Jesus, oh what a wonderful child. 4:04
Every year, every christmas. 5:24
Away in a manger. 3:48
Duración total: 42:52
8/10
MISS PATTI’S CHRISTMAS.
Def Soul Classics.
Edición: 9 Octubre 2007.
Estilo: Soul; R&B Contemporáneo; Gospel.
Gustará a…: los que disfruten con las voces soul incluso en un contexto contemporáneo.
La mayor parte de los álbumes navideños son como para salir corriendo. Productos paridos y dirigidos directamente desde los despachos de las multinacionales por ejecutivos que están más pendientes de la prima navideña que recibirán que del resultado artístico del artefacto discográfico que están perpetrando. También son un buen vehículo para los artistas comerciales, pues suelen tener una buena acogida, aunque sólo sea por la cantidad de consumidores poco originales que recurren a ellos para cumplir con el trámite de los regalos. En definitiva, pocos son los vocalistas que pueden permitirse el lujo de prescindir de un álbum navideño en su discografía, a no ser, claro está, que les dé igual vender más o menos. En este sentido, Patti LaBelle está libre de sospecha, pues aunque ha conocido el éxito a lo largo de varias décadas con múltiples temas, en el 2007 no era precisamente un artista con pretensiones comersiales: podía darse por satisfecha con conservar una parte de sus seguidores de siempre. Así pues, un álbum navideño como Miss Patti’s christmas firmado por Patti LaBelle sí merece que se le dé una oportunidad.
Como podíamos imaginar, Miss Patti’s christmas dista mucho de ser la clásica sucesión de temas empalagosos. Por supuesto que recurre a temas de temática navideña y cantos tradicionales, y no pretende ser rompedor, pero ha sido creado con tal mimo que resultará interesante tanto para los amantes del soul clásico como del R&B contemporáneo. De hecho, es posible que acabe seduciendo incluso a los más empedernidos detractores de la navidad y toda la parafernalia que la acompaña. Creo que será así porque lo que prima es el talento de Patti LaBelle, que se toma esta edición muy en serio, como una oportunidad que no puede dejar pasar para demostrar su virtuosismo vocal, que todavía conserva intacta la capacidad para emocionar. Pero no lucha sola ante el peligro, porque ha contado con la participación de los productores Terry Lewis y Jimmy Jam, que han sabido alternar piezas de corte clásicos con otras que integran con acierto un sonido contemporáneo. Me refiero a las incursiones en el R&B contemporáneo e, incluso, ¡el hip hop! Pero bueno, en algo tiene que notarse que Miss Patti’s christmas está editado por Def Soul Classics, apartado soul del importante sello de hip hop Def Jam.
Este es el tracklist del CD:
Christmas jam. 4:18
It’s the most wonderful time of the year. 3:08
What do the lonely do at christmas? 4:07
Holidays mean more to me. 4:38
It’s going to be a merry christmas. 4:34
Do you hear what I hear? 5:01
Nativity. 3:47
Jesus, oh what a wonderful child. 4:04
Every year, every christmas. 5:24
Away in a manger. 3:48
Duración total: 42:52
8/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para Acid Jazz Hispano.
martes, marzo 18, 2008
III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 - ¡LOS GANADORES!
El 29 de Febrero acabó el plazo de votación de la segunda ronda de los III Premios Acid Jazz Hispano, en la que decidisteis vuestros favoritos en las catorce categorías propuestas. Estamos muy gratamente sorprendidos con la entusiasta acogida que han tenido esta tercera edición de los premios, pues ha aumentado considerablemente la participación, superando sobradamente la de años anteriores. Aprovechamos para daros las gracias a todos los que habéis votado y para felicitar tanto a los ganadores como a los nominados, porque, aunque suene a tópico, cualquiera se merecía el reconocimiento del premio. Además de las catorce categorías que ya conocéis, anunciamos los ganadores de los dos premios especiales, instaurados por primera vez este año y decididos por el equipo de redacción de Acid Jazz Hispano: el Premio a toda una carrera y el Premio La Revancha Del Jazz a la aportación radiofónica. Ver ganadores.
Crítica de Relax and love, de Glenn Anthony Henry
Glenn Anthony Henry.
RELAX AND LOVE.
Unique Records/ Funkorama Records.
Edición: Marzo 2008.
Estilo: Soul; Funk.
Gustará a…: todo amante del soul.
Relax and love es uno de los álbumes más esperados del 2008, además de suponer el comienzo de una relación vocalista-productor que está destinada a hacer historia. La unión del productor Carlo Coupé y el vocalista Glenn Anthony Henry es una de las asociaciones más estimulantes de la escena negra de la primera década del tercer milenio, un acontecimiento que sólo el paso del tiempo permitirá apreciar como se merece. Es un disco muy interesante por su asombrosa calidad, pero también por dos motivos: disfrutamos con un cantante que nunca antes en su etapa como Aqeel había brillado como aquí y asistimos a la transición del funk al soul de unos de los compositores y productores más talentosos. Empiezo por este último aspecto, que es el más jugoso. La carrera de Jesús Trujillo, aka Carlo Coupé, dio un salto cualitativo considerable a principios del 2007, tras la edición del álbum debut de The Sweet Vandals, proyecto creado por él y cuya repercusión internacional tiene mucho que ver con su trabajo artístico y promocional. Antes ya había atraído la atencíón de los pinchadiscos más prestigiosos de la escena, esos que siempre se mencionan en las notas de prensa (Keb Darge, Snowboy…), pero tras el éxito internacional de The Sweet Vandals pasó a otro nivel de popularidad. Posteriomente se desvinculó del grupo y se centró en el proyecto que nos ocupa. Pues bien, en Relax and love presenciamos un valiente y logrado cambio de orientación, pues pasa de ser uno de los exponentes del revival deep-funk a desarrollar un soul al estilo clásico, un campo mucho menos explorado.
Durante la primera escucha, las conexiones entre The Sweet Vandals y Relax and love son muy evidentes, impresión reforzada por el primer single, Hope, un temazo funk reviente-pistas que fue uno de los grandes hits de finales del 2007, o por el corte inicial del álbum, Fired up, tan funky como soul. No obstante, cuando uno se sumerge en el disco, cuando lo escucha atentamente repetidas veces, descubre ese acercamiento nada tímido al soul, a una manera de concebir el soul que nada tiene que ver con el neo-soul, sino que surge de un profundo conocimiento de los grandes de los 60 y 70, requisito que comparten Carlo Coupé y Glenn Anthony Henry. El primero despliega su talento con unas composiciones/arreglos que seducen por su sencillez y su belleza, el segundo da rienda suelta a sus raíces con unas interpretaciones y unos arreglos vocales maravillosos. Si Relax and love ya es cautivador y es un placer reecontrárselo, a modo de interludio, en otras dos versiones diferentes, instrumental y (casi) a cappella, la pieza más memorable posiblemente sea I don’t know, por esa conjunción mágica de una melodía especialmente inspirada, una interpretación sobresaliente y una letra interesante. En cuanto a la producción, Relax and love supone un paso más en el crecimiento de Carlo Coupé, además de confirmarle como uno de los artistas más personales del panorama negroide contemporáneo. Su uso de equipo vintage es una de sus señas distintas, no hay duda, pero lo que marca la diferencia es su manera única de grabar cada instrumento y de mezclarlos, su creación de un sonido inmediatamente reconocible que se resiste a parecerse al de cualquier otro productor.
En definitiva, uno de los grandes discos del 2008.
Este es el tracklist del CD:
Fired up.
Relax and love.
Doin it.
I don’t know.
Beautiful vida.
Relax and love (repirse – instrumental).
Hope.
Go with it.
Relax and love (reprise – a cappella).
That’s my baby.
I believe.
Duración total: 38:08
9,5/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera (santiagotadeo@gmail.com) para http://www.acidjazzhispano.com/
martes, febrero 05, 2008
III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 - ¡LOS NOMINADOS!
Por tercer año, y puntuales como siempre, la web Acid Jazz Hispano quiere premiar lo mejor de los últimos doce meses, de modo que convoca a todos los usuarios para que participen en los III Premios Acid Jazz Hispano. Vosotros sois los que decidís quién gana en cada una de las catorce categorías, incluyendo mejor disco, mejor tema, mejor compilación, mejor sello, mejor sala, mejor festival, mejor revista... Ya tenemos los nominados, así que ahora sólo falta que os volquéis en la segunda ronda para votar por vuestro favorito en cada categoría. Tenéis hasta el 29 de Febrero para votar, y los ganadores se conocerán en la primera semana de Marzo. ¡A participar!viernes, enero 25, 2008
Crítica de Desplazamiento, segundo álbum de Asstrio
Asstrio.
DESPLAZAMIENTO.
K. Industria Cultural. (K105CD)
Edición: 2007.
Estilo: Jazz-Funk; Electro-Pop.
Gustará a…: los que sigan a los grupos que le interesan hasta el infinito… y más allá.
Ya lo creo que se ha producido un desplazamiento. A nuevos estilos y, sobre todo, hacia la electrónica. Por desplazarse, hasta ha cambiado de discográfica: Errabal por K. Industria Cultural. Por eso, nada mejor que titular su segundo álbum así, Desplazamiento. A Asstrio lo teníamos muy bien localizado en la sección jazz-funk de nuestra querida estantería de discos, lugar al que entró gracias a su estupendo debut, As soon as possible (2005). Sabíamos qué sonido tenía, y estábamos muy contentos, porque no hay nada como creer que uno sabe qué esperar de un grupo o artista. Hace un tipo de música, y siempre que escuchemos algo suyo, será así, podemos anticiparnos, y eso nos hace sentir más cercanos a los artistas. Nos hace sentir, por tanto, un poco artistas. Además, es nuestro grupo, nos gusta así, le hemos cogido cariño y, ¡cuidado!, que no nos lo cambien. Esto es algo que también nos ocurre a los que solemos escribir críticas, nos gusta pensar que, cuando hemos definido el sonido de un artista, no tendremos que volver a hacerlo con el siguiente disco que edite.
Pues bien, el sonido de Asstrio que conocíamos de As soon as possible ha evolucionado drásticamente en los dos años transcurridos entre la grabación de uno y otro. De un jazz/funk de corte clásico ha pasado a ofrecer una propuesta que, pese a seguir bebiendo de estos dos estilos, lo hace desde una perspectiva contemporánea y mucho más innovadora, introduciendo abundantes dosis de electrónicas, ritmos de house y acercamientos a la música dance y a melodías pop. Esta nueva orientación puede pillar desprevenidos a los que pasen de escuchar un disco a otro, pero no a los que hayan acudido a alguno de los conciertos que Santi Serratosa, Santi Careta y Arecio G. Smith dieron durante los dos años que separan una y otra grabación. Desplazamiento comienza con dos piezas un tanto continuistas, algo así como decir “bueno, estos es lo que ya sabéis que podemos hacer”, pero enseguida introduce novedades en Come out y todavía va más lejos con Fuga 72/05. Además ―y en esto no varía―, incluye una lograda versión de Billie Jean, original de Michael Jackson, que nos devuelve al grupo que con más descaro e imaginación reinterpretó, en As soon as possible, Caravan y Somethin’ stupid.
Mientras siga creando música tan interesante, que se desplace todo lo que desee, que nosotros nos desplazaremos con ellos.
Créditos:
Santi Serratosa: composición, producción, batería, programaciones y percusiones.
Santi Careta: composición, producción y guitarras.
Arecio G. Smith: composición, producción, programaciones, órgano hammond, rhodes, sampler y sintetizadores.
Joaquín Arteaga: percusión en temas 1, 2, 3 y 4 y voz en tema 5.
Santi Ibarretxe: voz en tema 2.
Tito Bonacera: bajo en tema 3.
Sonia Isidro: voz en tema 3.
Ritxi Diéguez: scratch en tema 5.
Karolien Greenacre: voz en tema 6.
Laia Cagigal: voz en tema 7.
Roger Usart: voz en tema 10.
Gorka Dresbaj: grabación y mezcla.
Mario G. Alberni: masterización.
Este es el tracklist del CD:
Desplazamiento. 6:05
Dskyziots. 5:40
Come out. 3:59
Fuga 72/05. 5:21
Go for it. 4:41
Désoxyder. 4:53
Billie Jean. 5:43
Fideus and berberechos. 5:52
Dskyziots carte noire (Gorka Desbaj remix) 4:41
Fuga 73/05 (Santi Serratosa remix). 4:38
Desoxyde ton ame et ton coeur (Arecio G. Smith). 4:38
Duración total: 56:08
9/10
DESPLAZAMIENTO.
K. Industria Cultural. (K105CD)
Edición: 2007.
Estilo: Jazz-Funk; Electro-Pop.
Gustará a…: los que sigan a los grupos que le interesan hasta el infinito… y más allá.
Ya lo creo que se ha producido un desplazamiento. A nuevos estilos y, sobre todo, hacia la electrónica. Por desplazarse, hasta ha cambiado de discográfica: Errabal por K. Industria Cultural. Por eso, nada mejor que titular su segundo álbum así, Desplazamiento. A Asstrio lo teníamos muy bien localizado en la sección jazz-funk de nuestra querida estantería de discos, lugar al que entró gracias a su estupendo debut, As soon as possible (2005). Sabíamos qué sonido tenía, y estábamos muy contentos, porque no hay nada como creer que uno sabe qué esperar de un grupo o artista. Hace un tipo de música, y siempre que escuchemos algo suyo, será así, podemos anticiparnos, y eso nos hace sentir más cercanos a los artistas. Nos hace sentir, por tanto, un poco artistas. Además, es nuestro grupo, nos gusta así, le hemos cogido cariño y, ¡cuidado!, que no nos lo cambien. Esto es algo que también nos ocurre a los que solemos escribir críticas, nos gusta pensar que, cuando hemos definido el sonido de un artista, no tendremos que volver a hacerlo con el siguiente disco que edite.
Pues bien, el sonido de Asstrio que conocíamos de As soon as possible ha evolucionado drásticamente en los dos años transcurridos entre la grabación de uno y otro. De un jazz/funk de corte clásico ha pasado a ofrecer una propuesta que, pese a seguir bebiendo de estos dos estilos, lo hace desde una perspectiva contemporánea y mucho más innovadora, introduciendo abundantes dosis de electrónicas, ritmos de house y acercamientos a la música dance y a melodías pop. Esta nueva orientación puede pillar desprevenidos a los que pasen de escuchar un disco a otro, pero no a los que hayan acudido a alguno de los conciertos que Santi Serratosa, Santi Careta y Arecio G. Smith dieron durante los dos años que separan una y otra grabación. Desplazamiento comienza con dos piezas un tanto continuistas, algo así como decir “bueno, estos es lo que ya sabéis que podemos hacer”, pero enseguida introduce novedades en Come out y todavía va más lejos con Fuga 72/05. Además ―y en esto no varía―, incluye una lograda versión de Billie Jean, original de Michael Jackson, que nos devuelve al grupo que con más descaro e imaginación reinterpretó, en As soon as possible, Caravan y Somethin’ stupid.
Mientras siga creando música tan interesante, que se desplace todo lo que desee, que nosotros nos desplazaremos con ellos.
Créditos:
Santi Serratosa: composición, producción, batería, programaciones y percusiones.
Santi Careta: composición, producción y guitarras.
Arecio G. Smith: composición, producción, programaciones, órgano hammond, rhodes, sampler y sintetizadores.
Joaquín Arteaga: percusión en temas 1, 2, 3 y 4 y voz en tema 5.
Santi Ibarretxe: voz en tema 2.
Tito Bonacera: bajo en tema 3.
Sonia Isidro: voz en tema 3.
Ritxi Diéguez: scratch en tema 5.
Karolien Greenacre: voz en tema 6.
Laia Cagigal: voz en tema 7.
Roger Usart: voz en tema 10.
Gorka Dresbaj: grabación y mezcla.
Mario G. Alberni: masterización.
Este es el tracklist del CD:
Desplazamiento. 6:05
Dskyziots. 5:40
Come out. 3:59
Fuga 72/05. 5:21
Go for it. 4:41
Désoxyder. 4:53
Billie Jean. 5:43
Fideus and berberechos. 5:52
Dskyziots carte noire (Gorka Desbaj remix) 4:41
Fuga 73/05 (Santi Serratosa remix). 4:38
Desoxyde ton ame et ton coeur (Arecio G. Smith). 4:38
Duración total: 56:08
9/10
Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/
miércoles, diciembre 26, 2007
Nuevo trabajo de Bongolian
Nasser Bouzida es un volcánico personaje que desde hace varios años lleva adelante un tenaz recorrido sonoro que remite directamente (y claramente) a los años 70, a las propuestas de algunos de los más grandes, esto es: Incredicle Bongo Band, James Brown, Mongo Santamaria, Tito Puente o Ray Barreto, entre muchos otros. Esto lo logra a través de sus dos celebrados proyectos, Big Boss Man y este que nos ocupa: Bongolian. Enteramente compuesto, arreglado e interpretado por Nasser Bouzida, en este nuevo trabajo, Outer Bongolia, dominan los ritmos Psycho-Funk y Latin, las percusiones y el sonido del hammond. Edita el sello Blow Up.
lunes, noviembre 26, 2007
La Revancha Del Jazz en Scanner FM
La Revancha del Jazz, el programa presentado dirigido por Santiago Tadeo Cervera, es decir, yo mismito, que acaba de comenzar su segunda temporada, también se emite, desde hace unas semanas, en la radio de Barcelona Scanner FM. Si vivís en la ciudad condal, lo podéis escuchar en el 100.5 FM (Radio Ciutat Vella), y todos los demás en la web de la radio, porque se emite todos los domingos de 21 a 22. Además, tenéis los programas en la sección Fonoteca de Scanner FM. Recuerdo que también se emite todos los martes de 16:30 a 17:30 en UPV Radio, y puede escucharse en el dial 102.5 de la FM (en Valencia), por Internet o a través de la página dedicada al programa (como podcast), esto último gracias a nuestro querido webmaster Fulandrusky. Si queréis, podéis también visitar el blog y/o el MySpace de La Revancha del Jazz. lunes, noviembre 05, 2007
Gilles Peterson vuelve a seleccionar rarezas
Prestigioso DJ, uno de los meyores coleccionistas de música negra, fundador de sellos imprescindibles como Acid Jazz Records, Talkin’ Loud o Brownswood Recordings, Gilles Peterson es uno de los nombres clave para comprender la difusión de la música negra desde los 90 hasta la actualidad, además de ser uno de los mayores impulsores del acid jazz. Pues bien, hablo de él ahora porque edita una nueva compilación (una de sus principales aficiones), concretamente Gilles Peterson Digs America 2. Editada por el sello Luv N Haight (filial de Ubiquity Records), ofrece una selección de rarezas de jazz, funk y soul, con temas de grupos y artistas como Bethlehem Progressive Ensemble, Lorez Alexandria, Mary Lou Williams Featuring Leon Thomas, Dee Edwards, The Diddys, Gap Mangione, Mary Lou Williams, Musicians from the Summer Programme for Youthful Musicians.
martes, octubre 16, 2007
Ya en quioscos el número cinco de la revista Soul Nation
"Nuestras economías huelen a chamusquina. Dicen que la unidad nacional se tambalea. Llueve como si lo fuesen a prohibir. Y a estas alturas ya no nos acordamos de las vacaciones... si es que las tuvimos. Pero no todo va a ser malo. Y si no, echad un buen vistazo a una nueva entrega de la revista de música negra. En Soul Nation volvemos a la tarea con los deberes perfectamente hechos. Sólo así se entiende que tengamos en portada a Will.I.Am, El cerebro de Black Eye Peas y productor ha dado vacaciones al grupo para concentrarse en un nuevo proyecto, Songs For Girls. Un segundo trabajo del afroamericano en el que plasma sus más inmediatas influencias brasileñas y europeas. Con él charlamos de este y otros temas a su paso por Madrid, donde nos presentó y comentó detalladamente su trabajo.
¿Más misiones cumplidas? Contar con Alicia Keys en exclusiva. La neoyorkina estuvo en París presentando de manera excepcional su nuevo trabajo As I Am. Y nosotros, elegidos con un selecto número de medios de toda Europa estuvimos en la capital francesa disfrutando de su regreso a la música, conociendo de primera mano todo lo que ha rodeado a la grabación, sus incursiones en el mundo del cine y su vida personal. Otras misiones cumplidas son nuestras charlas con Angie Stone, Rahsaan Patterson, N’Dea Davenport, James Taylor, Michel Camilo, Keite Young, Guateque All Stars, Diargi, Candy Dulfer, Tok Tok Tok y Los Fulanos. ¡Si es que no nos dejamos a nadie...! Además de las conversas, en este número os ponemos en bandeja especiales repasos a Prince, Maceo Parker, Donny Hathaway, Billie Holiday, Kendra Ross, Marcus Johnson, Keyshia Cole, Corneille, Tuomo, Ledisi, Oke...Todo esto junto a nuestras ineludibles citas fijas, ya sea Soul Art –con Nabi-, Soul Movies, eventos como el Jazzaldia y Viajazz, secciones de discos, Don Cornelius y un reportaje sobre el Doo Wop."
¿Más misiones cumplidas? Contar con Alicia Keys en exclusiva. La neoyorkina estuvo en París presentando de manera excepcional su nuevo trabajo As I Am. Y nosotros, elegidos con un selecto número de medios de toda Europa estuvimos en la capital francesa disfrutando de su regreso a la música, conociendo de primera mano todo lo que ha rodeado a la grabación, sus incursiones en el mundo del cine y su vida personal. Otras misiones cumplidas son nuestras charlas con Angie Stone, Rahsaan Patterson, N’Dea Davenport, James Taylor, Michel Camilo, Keite Young, Guateque All Stars, Diargi, Candy Dulfer, Tok Tok Tok y Los Fulanos. ¡Si es que no nos dejamos a nadie...! Además de las conversas, en este número os ponemos en bandeja especiales repasos a Prince, Maceo Parker, Donny Hathaway, Billie Holiday, Kendra Ross, Marcus Johnson, Keyshia Cole, Corneille, Tuomo, Ledisi, Oke...Todo esto junto a nuestras ineludibles citas fijas, ya sea Soul Art –con Nabi-, Soul Movies, eventos como el Jazzaldia y Viajazz, secciones de discos, Don Cornelius y un reportaje sobre el Doo Wop."
miércoles, octubre 03, 2007
Segunda temporada de La Revancha Del Jazz
La Revancha del Jazz, el programa presentado dirigido por Santiago Tadeo Cervera, es decir, yo mismito, acaba de comenzar su segunda temporada, inaugurada el pasado martes 18 de Septiembre con la emisión del primer programa de su segundo año en antena. Apenas si hay cambios con respecto a la primera temporada, salvo por el hecho de que la duración se reduce a una hora. Menos temas por programa, pero más intensos y con la misma variedad: nu-jazz, acid-jazz, funk, soul, jazz, R&B, hip hop, trip-hop, broken beat, jazz-pop, drum & bass, neo-soul... Una selección para paladares eclécticos y exigentes. El programa se emite todos los martes de 16:00 a 17:00 en UPV Radio, y puede escucharse en el dial 102.5 de la FM (en Valencia), por Internet o a través de la página dedicada al programa (como podcast), esto último gracias a nuestro querido webmaster Fulandrusky. Si queréis, podéis también visitar el blog y/o el MySpace de La Revancha del Jazz.
sábado, septiembre 15, 2007
Expansion Records recopila parte de su catálogo en tres discos
El catálogo del prestigioso sello británico Expansion Records (un referente para los amantes del soul y el R&B) es tan amplio e interesante, que puede permitirse el lujo de sacar a la venta compilaciones de tres discos al precio de uno. Se trata de Soul Cafe o, lo que es lo mismo, 36 temas extraídos de su catálogo, que va desde los años 70 hasta la actualidad. Tres discos con un artwork muy cuidado que, además de temas exclusivos de Billy valentine y Victor Haynes también permite escuchar piezas de grupos y artistas como Diplomats Of Soul, Maysa, Karl Frierson, Niteflyte feat. Jean Carne, Kloud 9, James King, Hope Collective, Inner Shade, Act of Faith, Marva King, Frank McComb, Nicole Jackson y Carmen Rodgers, entre muchos otros. Por supuesto, puestos a buscar ausencias, se pueden nombrar más de una, pero la más significativa es, sin duda, la de Adriana Evans.
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